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LAS FLORES Y LAS MANGAS GLOBO, MARCAN LA TENDENCIA PARA EL 2019 La moda, fenómeno cultural que posee un carácter cíclico, sin lugar a dudas revive tendencias e inspiraciones de manera permanente. Tal es el caso de los estampados florales que están ocupando lugares destacados en las propuestas de muchos diseñadores no solo para temporadas o estaciones primaverales, sino también con abrigos, suéteres, chaquetas, vestidos y conjuntos que pueden usarse en climas fríos o temporadas invernales. Los colores “pasteles” o los más intensos y contrastados están invadiendo pasarelas y vitrinas en todo el mundo, rompiendo paradigmas en donde determinados colores o estampados solo deben estar sujetos a estaciones o climas. Es así, que ahora se ven en lugares muy frios, prendas llenas de color, dejando atrás el negro, los grises y colores tierra, para dar paso a las estampados florales y coloridos.    En la moda, las flores siempre han estado presentes. Se pueden encontrar formando parte del propio diseño del tejido o en un estampado, aportando ese toque de vida y belleza. Tanto la flor fresca como su reproducción en adornos, patrones impresos o en forma de complementos, son una tendencia que proponen los creadores de moda para este 2019.

Otra tendencia destacada es la vuelta a escena de las antiguas mangas globo, manga Beret o pierna de cordero de la época romántica. El origen de este estilo se remonta a los siglos XVIII y XIX con una inspiración neogótica, propia del estilo Romántico que inundaba desde la literatura, hasta las tendencias pictóricas. En el caso de la moda femenina, esta tendencia se hizo más evidente a partir de 1825 y se prolongó hasta 1840.

Una vez abandonada la moda imperio, la silueta femenina comenzó a recuperar el volumen perdido, primero en la falda y poco a poco en las mangas. De las mangas balón o globo propias de los vestidos del imperio, se pasó poco a poco a definir una forma más voluminosa de estas, llegando a lo que muchos autores definen como “manga jamón” o “pierna de cordero” por su morfología similar a estas partes de dichos animales. En el 2019 grandes diseñadores del mundo se han servido de estampados florales y diseños con mangas estilo pierna de cordero, como gran inspiración para su trabajo. Tal es el caso de Karl Lagerfeld quien recientemente presentó su propuesta del alta costura en Paris para primavera verano 2019, en donde se evidenció en su colección el claro encanto de la naturaleza y la inclusión de diseños inspirados en esta época romántica con grandes mangas, proponiéndolas tanto para épocas cálidas como en invernales. En Colombia, dos creadoras bogotanas le han apostado a esta tendencia: Catalina y Lucy Barragán, con más de 15 años de trabajo riguroso en la moda nacional, han encontrado en la versatilidad de sus propuestas el camino para vestir a una mujer colombiana de manera elegante pero arriesgada. Empieza FEBRERO y aqui va las PROPUESTAS de nuestros COLEGAS de la ARTSPACE...

galerie l'inlassable OPENS JAN 10 Angelique Heider


Lisson Gallery OPENS JAN 11 Tatsuo Miyajima

THESE WORKS LOOK AMAZING TOGETHER HANG THEM IN A GROUP! Like kittens from the same litter, some artworks are better off going to the same home, staying by each other's sides. While not all of the artworks in this collections are diptychs or triptychs, or intended to be hung together as a single artwork, they do look amazing hung together. Browse the collection to find the perfect grouping to anchor your wall or hallway with streamlined consistency and unity!  

TOMMA ABTS Untitled..., 2015 $6,000 each

Preview · ZⓈONAMACO Ciudad de México, Feb 06–Feb 10

LA Art Show 2019 Los Angeles Jan 23rd – 27th

  Photo L.A. 2019 Santa Monica Feb 1st – 3rd   Esta vez nuestros amigos de ARTSPACE nos envían una bella PROPUESTA muy para iniciar el año... COLLECT LILIANA PORTER'S PRINTS TO CELEBRATE HER PAMM EXHIBITION Currently on view at the Perez Art Museum Miami (PAMM), Liliana Porter’s exhibition serves as a form of retrospective, containing many of the characters and objects that she’s shown over the last three decades. Broken dolls and figurines, clocks, and other objects ranging in scale from a speck of dust to a full-size broken piano pepper the installation. Many of these same symbols appear in Porter’s prints, which continue the artist’s interest in how, as the press release states, “as time passes, the line between reality and imagination becomes increasingly tenuous, as the current moment mixes with memories from the past that are often exaggerated in scale, fragmented, or broken.” Collect Porter’s nostalgic prints here, starting at $562.   Woman/Man/Figure: 5 Reasons to Collect Derrick Adams' Prints By Artspace Editors

JAN. 4, 2019 CONVERSATION PIECE Woman/Man/Figure: 5 Reasons to Collect Derrick Adams' Prints Derrick Adams. Photo via Museum of Arts and Design. Here are five reasons to collect Derrick Adams prints: 1. Though Miami Art Week this past December somehow feels like it was eons ago, there’s one thing that’s still fresh in our minds: Derrick Adams’ “America’s Playground” installation on the beach outside of Miami Beach’s Faena Hotel. Comprised of two mirror-image playgrounds—one full of color and one in grayscale—divided by a photographic backdrop depicting African-American children playing under a highway overpass, the installation paid homage to the history of Miami’s Overtown—once a flourishing Black neighborhood torn apart in the mid-‘60s by the construction of the I-95 highway overpass. Photo: Jane Wooldridge via 2. Adams’ solo exhibition at the Museum of Art and Design in New York earlier in the year again illustrates the artist’s interest in African-American history. The body of 50 works were inspired by The Negro Motorist Green Book, a guidebook for Black American roadtrippers during the Jim Crow era.

  Man in Tidal Blue is available on Artspace for $1,500 3. Adams’ award-winning work has earned him exhibitions at renowned institutions like MoMA PS1, the Brooklyn Museum of Art, Studio Museum in Harlem, and Contemporary Art Museum Houston. BÚSQUELA Y SORPRENDÁSE 4. Editioned by master printer Andre Ribuoli, the prints we’re offering are classic examples of the artist’s signature subject matter and aesthetic, with collage-like elements creating fractured yet unified portraits.

Woman in Optimum Blue is available on Artspace for $1,500 5. At 24 by 18 inches, these prints for $1,500 are from a small edition of 18—and they’re going fast—so if you fancy one, act quickly!

Figure Walking Into the Light (Woman) is available on Artspace for $1,500 Related Artworks DERRICK ADAMS

HO HO HO: 12 HOLIDAY GIFTS FOR ART LOVERS From one-of-a-kind artworks to gorgeous design objects, here are some of the best gifts money can by for those who absolutely LOVE art. Ho Ho Ho: 12 Holiday Gifts for Art Lovers By Artspace Editors   Ho Ho Ho: 12 Holiday Gifts for Art Lovers The Illusion of Christmas (detail; Tate Christmas Card 2014), Signe Emma and Theodoulos Polyviou 'Tis the season to stress out about what to get your family and friends for holiday presents. But don't fret! Artspace has you covered. Here are 11 gifts for your art-curious loved ones. AFTER ANDY WARHOL Campbell's Soup - Tomato, 2011 $408 (or as low as $40 / month) Whether your loved one is an art expert or just art curious, you really can't go wrong with an After Andy Warhol soup can. Campbell's tomato soup has become synonymous with the Pop artist, who sent shock waves throughout the art world when he upended traditional art making by appropriating images from consumer culture and mass media and reproduced them in a factory-like setting. When Warhol first exhibited his soup can prints in 1962, the installation mimicked the aisle of a grocery store; the 32 canvases, representing the 32 different Campbell's soup flavors, were hung closely together in a tight grid. Make your own grid with this portfolio of 10 different soup can prints for $4,082 (just $408 a piece), or buy just one as a gift for $519. Either way, you can't go wrong with Warhol's Campbell's! MAURIZIO CATTELAN Beige Teapot $140 or as low as $13/month From famed jokester and recently retired artist Maurizo Cattelan, the classic enamel tea kettle is the perfect gift for your quirky friends who have a serious dedication to art, and a light-hearted sense of humor. Controversial and wildly popular, his works lampooned icons and societal conventions, as serious in their implicit critiques as in their humorous irreverence. Cattelan has seen his works exhibited at the Venice Biennale and the Whitney Biennial as well as at numerous institutions, including Centre Georges Pompidou, the Tate Gallery, and the Museum of Modern Art. If you're feeling particularly keen on upping your Cattelan game, check out the rest of his enamel tableware collection that includes plates, cups, bowls, and mugs. PHAIDON Hervé Tullet Collection, 2018 $100, or as low as $9/month For the kids in your life (or the new parents!), this library of board books comes from the hand and mind of Hervé Tullet, author of Press Here, which has sold over one million copies worldwide and has been a New York Times bestseller for three years running. Known in France as "the prince of preschool books," Tullet takes the concept of reading to a new level, inviting young minds to think imaginatively, independently and creatively. DAVID SHRIGLEY Cocaine and Heroin Shakers, 2017 $60 or as low as $11/month We can pretty much gaurentee that your giftee does NOT have a salt and pepper shaker set that's original as this one. This gift comes from one of our top-selling artists, David Shrigley, an artist and illustrator best known for his hilarious cartoons and hand-drawn text pieces. Add some seasoning to this holiday season, and shock your grandmother with this useful gift. MAYA LIN Colorado River (Sterling Silver), 2016 $650 (or as low as $58/month) Widely recognized for her long-held, deep commitment to the environment, artist Maya Lin was inducted into the National Women's Hall of Fame in 2005 and has been the recipient of numerous awards, including the Dorothy and Lillian Gish Prize and most recently the Presidential Medal of Freedom presented by President Barack Obama in 2016. She is represented by Pace Gallery. She's used her renowned reputation as an artist to raise awareness about environmental issues, and created the What is Missing? Foundation to do so. Not only is this bracelet stunning, its proceeds also support the foundation. (In addition to sterling silver, Colorado River also comes in 24k gold plated, and 14k gold.) Make someone's day with this gorgeous artist-designed bracelet, and support a good cause while you're at it. PAOLA PIVI One Cup of Cappucino and Then I Go, 2013 $450 or as low as $40/month Arguably the most talked about artist during Miami Art Week this year, Paola Pivi currently has a major solo exhibition at The Bass, Miami Beach's contemporary art museum. Covered by just about every art publication (and then some): The New York Times, Living, Vogue, Garage, Designboom, Artsy, Artnet News, Vanity Fair... just to name a few. See her artist's page on Artspace for a greater selection of stunning photographs—each for just $450! JEAN-MICHEL BASQUIAT In Italian $500 or as low as $44/month

A renowned painter, draftsman, poet, musician, and graffiti artist, as well as an all-around arts icon, Jean-Michel Basquiat was at the forefront of New York’s downtown avant-garde in the late 1970s and 80s. Whether on the wall of a child's room, a dorm room, a millennial's loft, a vacation home, or a retirement getaway—this skate deck tryptic is a great gift for all ages.

RENÉ MAGRITTE Sixteenth of September $99 or as low as $18/month For that someone special who's always late with their head in the clouds, this watch from René Magritte is the perfect gift. From easily the most celebrated Belgian artist of the twentieth century, the Surrealist painter is world renowned for his mysterious images and idiosyncratic juxtapositions. This particular image comes from a 1956 painting of a tree. Of trees Magritte said, "growing from the earth to the sun, a tree is an image of certain happiness." BARBARA KRUGER Untitled (Shafted) Mug Set, 2015 $55 or as low as $10/month Barbara Kruger's Untitled (Shafted) (2008) installed in the elevator shaft of LACMA's BCAM building is the source of inspiration for this set of four mugs packed inside a graphic box. Known for bold and graphic collaged text and image, Kruger often accuses the viewer with jarring texts that ask us to question our relationships to advertising, consumerism, feminism, and classissm. Start your day with a jolt of bold artistic critique and end it with a steaming mug of hot cocoa. PHAIDON Lucian Freud, 2018 $500, or as low as $44/month For a limited time, you can receive Phaidon's brand new two-volume set Lucien Freud—the most comprehensive publication to date on one of the greatest painters of the twentieth and early twenty-first centuries—for free when you purchase this limited edition print John Minton. (The book alone is worth $500!) Gift one and keep the other! AUSTIN EDDY Flying Fingers Over Ding Dong Beach, 2016 $225, or as low as $20/month The work of Brooklyn-based artist Austin Eddy is hard not to like. This signed and numbered limited edition print is an inspirational original artwork for a great price. Brighten your loved one's day with this colorful breath of fesh air. DEAN SAMESHIMA Men Ruin Everything $80 Dean Sameshima, an artist known for investigating the arena of queer histories, nostalgia, desire and fetish in his work, references the SCUM Manifesto—a radical feminist manifesto written in 1967 by Valerie Solanas, and author and perhaps more notoriously, the person who attempted to murder Andy Warhol in the late 1960s. In this exclusive sweatshirt designed specifically for House of Voltaire, the artist has continued his tradition of using silk-screen techniques in his on-going exploration of historical subcultures, in particular the punk rock and DIY movement. La MOVIDA del ART MIAMI esta FULL este fin de año ,en aquello que se ha dado en llamar la TORRE de BABEL de una  LATINOAMÉRICA que cada vez impone mas sus MODISMOS...        

ODEÓN O DE LA CONTINGENCIA CURADORES INVITADOS: ALEJANDRO MARTÍN MALDONADO Y ESTUDIO ALTIPLANO PARTICIPAN: EL TALLER DE ARQUITECTOS, INTERSTICIO ESTUDIOS, JOSÉ LUIS HOYOS, BENJAMIN CADENA, [LA BÉ] + FRANCIA VILLABONA, SIMÓN CAMPUZANO Y WORKNOT! INAUGURACIÓN: MIÉRCOLES 5 DE DICIEMBRE - 7PM A lo largo de su historia el edificio en el que hoy funciona Espacio Odeón ha sido un cine, ha albergado a una serie de compañías, escuelas y corporaciones de teatro, y ha hecho las veces de sede universitaria, canal de televisión y centro cultural. En sus más de 70 años de existencia este edificio se ha convertido en un lugar reconocido por su relación con la cultura en el país y por su prominencia arquitectónica. A pesar de eso el futuro de su ocupación, uso y funcionamiento es siempre incierto, las instituciones que lo han habitado tienden a agotarse en la búsqueda de recursos para mantenerlo y el espacio ha sido abandonado en más de una ocasión. Es precisamente la pregunta por la contradicción entre la permanencia de un edificio de patrimonio y la contingencia de su ocupación, condición y subsistencia las que guían este proyecto realizado por Alejandro Martín y Estudio Altiplano en el que invitan a arquitectos y no-arquitectos a preguntarse por el pasado, presente y futuro de este edificio y su relación con la ciudad. La exposición presentará cinco propuestas que intervienen el edificio y en las que se cuestionan—desde el humor, el juego y la ficción—sus condiciones espaciales, patrimoniales, urbanas y económicas y se especula alrededor de nuevas formas de habitarlo, intervenirlo y mantenerlo. -.- Alejandro Martin Maldonado (Bogotá, 1975) Es un curador y editor que ha desarrollado proyectos en diferentes formatos, actualmente es el curador del Museo La Tertulia en Cali. Ha trabajado en exposiciones como El Diablo probablemente y Viaje al fondo de Cuervo en la Biblioteca Nacional, y editado libros como Waterweavers (con Jose Roca) para la exposición que tuvo lugar en BGC (NY). Estudio Altiplano produce arquitectura. Su práctica se posiciona en la intersección entre el objeto arquitectónico y la arquitectura del paisaje y el territorio. La oficina está compuesta por Pedro Aparicio, Felipe Guerra y Felipe Velásquez.

ASÍ MUEREN LAS COSAS ARTISTA: MARIO SANTANILLA INAUGURACIÓN: MIÉRCOLES 5 DE DICIEMBRE - 7PM Las especulaciones que se han creado en torno a Odeón—desde su conexión con hechos históricos como el Bogotazo, pasando por la historia de un supuesto orfanato que nunca se ha podido confirmar si estuvo aquí, hasta los fantasmas teatreros que aparentemente todavía lo habitan—, han hecho que con el tiempo el edificio se haya convertido en una entidad viva que alberga la memoria de la ciudad y de todos aquellos que alguna vez han pasado por aquí, y que poco a poco han contribuido a crear una mitología. En Así mueren las cosas*, Mario Santanilla parte de esa mitología del lugar para preguntarse por la forma en la que se construyen la memoria y sus imágenes. A partir de una investigación exhaustiva sobre el edificio y la historia de Bogotá; así como una reflexión sobre la memoria sus mecanismos de representación, este proyecto propone un recorrido por el Espacio Odeón que no pretende visibilizar un hecho o una realidad, sino que construye un nuevo espacio, un lugar que va más allá de la materialidad, una simulación. -.- Mario Santanilla (Bogotá, 1991) Es artista egresado de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Recientemente hizo parte del “Home workspace program” de Ashkal Alwan, Beirut (2017-2018) y de Escuela Flora, Bogotá (2016). Entre sus exposiciones están: Estudio para una ruina, Flora ars+natura (2017), Háganlo mientras sean jóvenes, ARTBO -Artecámara (2017) y Topografía de archipiélago, Sala Artecámara Chapinero (2016). El año pasado realizó el performance Vertigo of a sunset como parte del evento “March Meeting” del Sharjah Art Foundation. *El proyecto Así mueren las cosas de Mario Santanilla se presenta como parte de la primera edición de nuestro programa Ciclo de artista emergente, que se realizará anualmente y que muestra un proyecto inédito realizado por un artista colombiano menor de 35 años.

Inauguración de la exposición Ciudad errante Cierre ARTBO | Tutor

En el marco de ARTBO | Salas, le invitamos este jueves 22 de noviembre a la inauguración de los resultados de ARTBO | Tutor, en la muestra Ciudad errante. En esta exposición se exploran, desde perspectivas multidimensionales, diversos aspectos de las problemáticas y características que componen el paisaje de la ciudad. Situados en gran medida en la experiencia de lo local, los artistas presentes aspiran a construir reflexiones universales sobre el panorama dinámico en el cual se desenvuelven sus prácticas. Si bien estas obras y procesos son parte de etapas tempranas de exploración, suponen experiencias que se configuran a partir de subjetividades, historias de vida y revisiones socioculturales de un entorno que opera como su laboratorio de creación.

Artistas: Felipe Bonilla, Laura Milena Arizmendi, Javier López Forero, José Forero, Juan Osorio, Laura Castañeda y Julieth Suárez. Artista invitado: Jaime Ávila Tutorías: Lester Rodríguez, Lucy Argueta y Luisa Roa. Evento sin costo - Cupo limitado Inauguración: jueves 22 de noviembre de 2018 6:00 p. m. CCB - Sede Empresarial Salitre Av. El Dorado # 68D-35, Piso 2 Exposición Ciudad errante color-blue INICIA: JUEVES 22 NOVIEMBRE, 6:00 PM FINALIZA: JUEVES 31 ENERO, 6:00 PM ARTBO SALITRE AVENIDA EL DORADO NRO. 68D-35

Imagen: Jaime Ávila, El cruce, las cruces, del proyecto Talento pirata, 2008. Fotografías empacadas en cajas plásticas para CD. 110 x 140 cm (Fragmento) Tutorías: Lester Rodríguez, Lucy Argueta y Luisa Roa. Los proyectos que hacen parte de «Ciudad errante» exploran, desde perspectivas multidimensionales, diversos aspectos de las problemáticas y características que componen el paisaje de la ciudad. Situados en gran medida en las experiencias de lo local, los artistas presentes aspiran a construir reflexiones universales sobre el panorama dinámico en el cual se desenvuelven sus prácticas. Si bien estas obras y procesos son parte de etapas tempranas de exploración, suponen experiencias que se configuran a partir de subjetividades, historias de vida y revisiones socioculturales de un entorno que opera como su laboratorio de creación. La presente exhibición tiene como propósito constituirse como una plataforma que da cuenta de estas experiencias y exploraciones. Se ha dado mayor preponderancia a un conjunto de procesos que, desde una experiencia pedagógica como la del programa ARTBO | Tutor, suponen un cúmulo de aprendizajes significativos para sus participantes. Artistas participantes: Alejandra Andrade, Felipe Lozano, Ivanna Coelho, Gabriela Díaz, Katherine Ramos, Ruth Eliana Pineda, Valentina y Michelle Sabogal. Artista invitado: Jaime Ávila Agradecimientos a: Nicolás Wills, María Leubro, Ana Karina Moreno, Eliana Baquero, Gabriel Zea, John Castles, David Fernando Torres y David Ayala Alfonso. Acerca de los Tutores: Lucy Argueta Artista plástica y gestora cultural Ha realizado varias muestras individuales y participado en numerosas muestras colectivas en diferentes países como Guatemala, Honduras, El Salvador, Panamá, Nicaragua, Costa Rica, EE.UU. y Francia. Fue cofundadora y directora de la Escuela Experimental de Arte en Tegucigalpa. Ha colaborado con diferentes espacios en la región Centroamericana en el desarrollo de proyectos de gestión y formación artística. Ha realizado diversos proyectos en el área de formación comunitaria a través de planes integrales diseñados desde la Escuela Experimental de Arte, para la creación de microempresas cooperativas en zonas de alto riesgo en la ciudad de Tegucigalpa Honduras. Lester Rodríguez Artista plástico y docente Ha realizado diversas muestras individuales y proyectos colectivos en diferentes países como Honduras, Austria, Cuba, Estados Unidos, Bélgica, Guatemala, Costa Rica, México, El Salvador, Panamá, Nicaragua, Suiza, Italia, España, Venezuela, Argentina, y Canadá. Fue cofundador de la Escuela Experimental de Arte en Tegucigalpa (2010-2015) y director del programa educativo de la misma: espacio cultural y educativo orientado a la formación en arte contemporáneo y capacitación técnica en artes y oficios. Actualmente es profesor de la Universidad de los Andes en la ciudad de Bogotá, Colombia. Luisa Roa Artista plástica y docente Es Licenciada en Artes Plásticas y Visuales por la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Bogotá, Colombia y en 2008 realizó una Maestría en artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Bogotá, Colombia y en 2014 realizó una Maestría en Arte Público y Nuevas Estrategias Artísticas en la Universidad Bauhaus Weimar. Weimar, Alemania. Ha desarrollado diversas muestras individuales y ha participado en varias muestras colectivas en Colombia, Italia, Brasil, EE.UU, Cuba, España, Bosnia y Herzegovina, Argentina entre otros. Ha recibido diversos reconocimientos nacionales e internacionales. Actualmente es profesora de cátedra en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Academia de Artes y Letras.              

Vuelta del PUNK CHIC es como un verdadero VOLVER a los parámetros que regían PICADILLY CIRCUS de los ´80 en un LONDRES que le mostraba al mundo su nueva forma de expresarse…Con un COVENT GARDEN y sus alrededores en el apogéo de SIX PISTOLS , LINDSAY KEMP , THE CLASH…un IGGY POP respetado por FREAKS & COOLS... En FIN según nuestra modesta de la ÉPOCA  y en la época …era una GRAN CAMPAÑA de publicidad para refrescar un REINO UNIDO al que luego LADY DI reflectó con sus ANEGELES & DEMONIOS... Hermès tiene el placer de invitarle a descubrir la colección Chaîne d’ancre Punk Desde el jueves 15 de noviembre hasta el sábado 1 de diciembre 2018 De 10 a 20h Hermès Calle José Ortega y Gasset, 12           Preview · Abu Dhabi Art Abu Dhabi, Nov 14–Nov 17 West Bund Art & Design Shanghai, Nov 08–Nov 11 ART021 Shanghai Contemporary Art Fair Shanghai, Nov 09–Nov 11

Carolina nació en 1974 en Bogotá, Colombia. Estudió Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes donde más tarde recibió su título profesional en Arquitectura. Su trabajo ha sido expuesto en varias exhibiciones colectivas en Bogotá, Miami y Tokyo. En 2014 asistió al taller de la artista Alyssa Monks, Creating, Translating and Surpassing the Photo-Reference en The New York Academy of Art, en Nueva York. También asistió al taller de óleo de Casey Baugh en Chicago, el pasado mes de Agosto.

"Mi trabajo siempre ha estado relacionado con mi propia vida. Mi pintura parte de la observación íntima de la piel humana, ese lugar donde la historia personal queda impresa y narrada en cada mancha, en cada pliegue, en cada arruga. Somos lo que se ve en nuestra piel. Eso nos hace susceptibles de ser leídos; nos hace, por lo tanto, vulnerables. Mi pintura quiere explorar esa vulnerabilidad, ese riesgo que corremos ante la mirada del otro. Quiere, también, crear historias no totalmente contadas, capturar la experiencia pasada y los anhelos futuros (que siempre están implícitos en la imagen) en el carácter físico y carnal del momento presente."

Hoy se nos escapó a NEW YORK con el permiso INTELECTUAL &ARTISTICO : Con la obligación de PRODUCIRSE FULL para un vernissage que de seguro les estaremos presentando en breve….

  Nuestra nueva mejor AMIGA la ARQUIARTISTA CAROLINA GUTIERREZ nos adelanta este nuevo trabajo de la siguiente manera : SKIN STORIES My paintings stem from the close, intimate observation of human skin, that place where personal history is printed and narrated in each spot, each crease, and each wrinkle. We are what is visible in our skin; that makes us readable and therefore vulnerable. My painting wants to explore that vulnerability, that risk we encounter when under the gaze of others. It also wants to create untold stories, to capture past experiences and future hopes or longings in the sheer physicality of the present moment. That´s why I use animal skin as my canvas. I use personal short texts written in Braille, and sign language for the deft to build the character out of the skin, to merge together as one and tell one whole story. Carolina Gutiérrez @carogutierrezart                                     ITALIA Con il Patrocinio dell’Ambasciata di Argentina in Italia domenica 4 novembre 2018 ore 18,30 presenta EUGENIO ZANETTI “Pellegrini nel tempo” a cura di Massimo Sacrilega

Eugenio Zanetti è uno dei creativi argentini più noti a livello internazionale. La sua poliedrica attività artistica va dalla direzione di cinema, opera e teatro, alla scenografia, all’illustrazione, alla pittura. La sua famosa e vasta carriera abbraccia cinque decenni, conoltre 60 produzioni cinematografiche e teatrali al suo attivo, in Argentina, Europa e Stati Uniti. Cominciando la sua carriera lavorando con Pier Paolo Pasolini nella Medea che ha marcato profondamente la sua carriera artistica e all’assegnazione dell’Oscar per la migliore scenografia nel 1996 Nella sua prima mostra assoluta in Italia l’argentino Eugenio Zanetti presenterà con il tirolo “Pellegrini nel tempo” un ciclo dei suoi ultimi lavori pittorici alcuni provenienti dalla sua ultima mostra in Siviglia e altri prodotti appositamente per questa mostra a Roma mostrandoci un altro aspetto della sua carriera artistica.

Severi, materici ed esteticamente ricercati, i lavori di Eugenio Zanetti sono intimi commenti sulla realtà della condizione umana, costruiti con la sapiente conoscenza non solo del fluire della storia dell’arte ma con un evidente ritmo musicale, sorta di codice per esprimere il suo modo di vedere e intendere il “fare arte”. Kant diceva: l’artista fa perché deve, non perché sa – e l’artista ha una enorme responsabilità, che è quella di trasformare la nostra visione a noi spettatori fino ad incorporarla, giorno dopo giorno. Molte opere cercano di rappresentare un atteggiamento e non semplicemente un ritratto, altre senza dubbio si sviluppano intorno a una storia, ma sempre instaurando una nuova relazione fra loro e quello di chi guarda. In essa, l’artista cerca d’innestare alle proprie forme –impeccabilmente classiche – sottili vibrazioni, improvvisi irrobustimenti del tratto, imprevedibili bagliori di una sensibilità non olimpicamente distaccata dal mondo, bensì modernamente inquieta. Quasi ammettendo una doppia natura che guarda due modelli artistici: uno supremo e assoluto, l’altro più corrosivo e viscerale. La figura umana in questi lavori non solo esprime lo spazio, ma lo trasforma. Lontano da qualunque modello precostituito e sotto un impulso emotivo e personale, Eugenio Zanetti crea attraverso una sua concezione situazioni ed elementi appartenenti alla propria dimensione oggettiva. Questi pellegrini del tempo sono forme pure animate dalla luce. Una luce che subordina il colore delle storie narrate e che da sicuramente un particolare significato espressivo, giocando un ruolo primario nelle sue opere. Eugenio Zanetti nato a Córdoba (Argentina), vive e lavora tra Buenos Aires e Los Angeles Eugenio Zanetti è uno dei direttori artistici di più alto livello internazionale, direttore del cinema, teatro e opera nonché illustratore, scenografo, designer, drammaturgo e pittore. La sua famosa e vasta carriera abbraccia cinque decenni, con oltre 60 produzioni cinematografiche e teatrali al suo attivo, in Argentina, Europa e Stati Uniti. Nei suoi inizi, ha lavorato con Pier Paolo Pasolini e, durante la sua prodiga carriera a Hollywood, Zanetti ha progettato e diretto numerosi e pluripremiati film come Flatliners, Last Action Hero, Soapdish, Promised, Land, Slamdance, The Haunting, Beyond Dreams e Restoration(il peccato e il castigo), per il quale ha ricevuto l'Oscar alla migliore scenografia, nel 1996. Negli ultimi anni ha progettato produzioni storiche come Zapata: El sueño del héroe di Alfonso Arrau e There Be Dragons ( Un santo nella tempesta) di Roland Joffé. Ha scritto e diretto il lungometraggio Amapola, con Geraldine Chaplin, uscito nel 2014, per il quale è stato premiato con vari premi internazionali, incluso al miglior regista, al Festival internazionale del cinema di Bogotá. Sfaccettato e prolifico, considerato uno dei grandi maestri contemporanei come illustratore e visionario di spazi irreali, Zanetti genera un'impronta indiscutibile in ognuna delle suecreazioni. Le sue recenti produzioni delle opere Don Carlo, di Verdi e Fidelio di Beethoven al Teatro Colón, sono stati acclamati dalla critica e dal pubblico. Soprattutto straordinaria è stata la sua carriera di pittore, recentemente ha esposto in dettaglio nel suo primo libro di vita e lavoro “Zanetti – Conosciuto/Sconosciuto”, in cui il suo prolifico lavoro materializzato è catalogato in dipinti, disegni e schizzi di cinema, teatro, opera dal 1964. Numerose mostre in diversi musei e gallerie internazionali hanno collocato il suo lavoro in varie collezioni private e musei. È Ambasciatore della Cultura Argentina e Cittadino Illustre delle città di Córdoba, Buenos Aires e Los Angeles. =============================================== ​SCHEDA TECNICA Mostra: Eugenio Zanetti: Pellegrini nel tempo Inaugurazione: domenica 4 novembre 2018, ore 18,30 Durata: dal 04/11/2018 al 08/12/2018. Sede: TIBALDI ARTE CONTEMPORANEA – Via Panfilo Castaldi,18 (Trastevere) - Roma Email: Info: ​ Orari: martedì / sabato 17:30 / 20:00 e su appuntamento. West Bund Art & Design Shanghai, Nov 08–Nov 11 ART021 Shanghai Contemporary Art Fair 2018 Nov 9th – 11th SOFA CHICAGO 2018 Chicago Nov 1st – 4th Artissima 2018 Torino Nov 2nd – 4th ART X Lagos Lagos, Nov 03–Nov 04 Pero también pasó BARCÚ... Barcú es un recorrido por un barrio histórico lleno de magia y sorpresas, una increíble selección de galerías en casas con más de 300 años de historia... JUANITA STADLIN nos muestra parte de las VACAS SAGRADAS... BARCÚ disfruta del NIÑO TERRIBLE del ARTCO lombiano... Y un FINAL a toda orquesta con un CROONER de los GALERISTAS y sus nuevas joyitas... Se los dijimos ALFIE GINOCCHIO es un CLÁSICO&MODERNO... ARTBO 20-18…LLEGÓ…Y SUS CLÁSICOS colaterales TAMBIEN... Cuando la GENTE ya piensa en el próximo HALLOWEEN  y en sus delicados DISFRACES , hay muchos que pululan por ahí en eventos y eventos cada vez mas MODERNOS…Y con una limitada  capacidad de compra hacia una PROPUESTA ARTÍSTICA cada mas arriesgada eso si sin límites CREATIVOS... Pasamos por lo de nuestros queridos y grandes AMIGOS….

Y esto fué un EVENTO ya clásico , aquello que consideramos la MECA del barrio SAN FELIPE al que el ARQTO CASTAÑO ayudó a CREAR & CRECER…                                                             Esta vez nos fuimos con SOL OKARINA una cantante que esta mas alli del bel canto y así nos decía su visión aló largo de los tres pisos de esta MECA  que nos emociona … Y mientras ascendíamos fuimos descubriedo el AMBIENTE que nos rodeaba y las SENSACIONES de otra ARTISTA del canto... Cuando uno llega al final se encuentra en el TOP OF THE TOP …                                                     Es allí cuando descubrímos que cada piso tenia un tema MUSICAL sugerido por ella descúbralos …investigélos y disfútelos... ARTBO, programa de artes de la Cámara de Comercio de Bogotá, tiene el placer de darle la bienvenida a la edición número 14 de ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá, que comenzó el miércoles 24 de octubre en el Gran Salón de Corferias. Les contamos como fué... Asi empezábamos nuestro PARTICULAR recorrido….               Asi seguíamos haciendo de las NUESTRAS... Otro momento SUBITO… POR OTRO  y en otro LADO...

La muy QUERIDA ARTISTA , nuestra ADRIANA MARMOREK , nos trae una nueva PROPUESTA , será que nos SORPRENDE  otra vez mas…nos encantará saber que es lo NUEVO…

AQUI VÁ entonces  su SHOW TIME...


Asi que esperabamos llegar y que su TRABAJO nos cuente , que tiene para dar...


Y ni bien llegamos ,nos REGALÓ su talento en un RECORRIDO MÁGICO…Muy a su ESTILO súmese y juntos vivamos la EXPERIENCIA MARMOREK... Y como la  obra NUNCA muere…aquí van los OSARIOS… CREEMOS que es el FINAL del TRIPTiCO que se inició con su primera EXPOSICION en el MAMBO en el 20-17 y estas dos muestras al TIEMPO…En la semana de ARTBO 20-18


Cuando un ARTISTA tan especial como DANILO ROJAS ; del que fuimos de manera EFÍMERA ¨su nuevo mejor amigo¨ ; con quien recorrimos el ARTBO 20-16 , logrando verdaderos momentos de química en CRITICAS artísticas que no son nada fáciles  … Un PERSONAJE que piensa así... Se TRANSFORMA en BANQUERO , aunque su HUMILDAD lo llame BANQUITO y nos INVITA a su PRESENTACIÓN ..lo menos que podemos hacer es ir y recoger sus COMENTARIOS…y ver si tiene líneas de CREDITOS BLANDOS para sus CLIENTES... Allí estuvimos y documentamos …porque TALENTOS así quedan POCOS…nosotros le abrimos una CUENTA CORRIENTE a sus PRODUCTOS... LO BANCAMOS...  


Que tenemos en este MES…                                                                                                                    Estas joyitas de nuestros COLEGAS AMIGOS de ARTSPACE ... Five Reasons to Collect "John Minton" by Lucian Freud: "One of the Century's Most Emotional Portraits" By Artspace Editors OCT. , 2018   Five Reasons to Collect "John Minton" by Lucian Freud: "One of the Century's Most Emotional Portraits" Lucian Freud. Image via   Here are five reasons why you should collect one of these limited edition portrait prints of John Minton (2018) by Lucian Freud: 1. Lucian Freud, grandson of Sigmund Freud, was one of the twentieth-century's most well-renowned figurative painters. Born in Berlin in 1922, his family moved to London to escape the Nazis in 1933, when Freud was eleven years old. 2. This piece was commissioned by John Minton after viewing Freud’s painting of Francis Bacon (pictured below). As Freud was an intensely guarded, private man, most of the works across his sixty-year career were paintings of family and close friends. Freud Bacon Francis Bacon (1952) by Lucian Freud, image via Tate Modern 3. John Minton (2018), printed in an edition of 500, was produced in conjunction with the publishing of the most comprehnsive survey of the artist's work, Lucian Freud by Phaidon, which holds over 280 illustration. The book is the result of an extraordinary collaboration with David Dawson, director of the Lucian Freud Archive and for two decades Freud’s assistant, model, and friend. For a limited time, you can recieve Phaidon's Lucian Freud—the most comprehensive publication to date on one of the greatest painters of the twentieth and early twenty-first centuries—for free when you purchase this limited edition print. (The book alone is worth $500!) 4. Print profits will directly benefit the London's Royal College of Art's scholarship fund. 5. Freud's original portrait of Minton was described by art historian Frances Spalding as “one of the century’s most emotional portraits.” Minton, an Royal College of Art (RCA) tutor and one of the key figures of Neo-Romanticism, bequeathed the painting to the RCA in 1957, when he took his own life. John Minton is available on Artspace for $1,631 or $110/month Un cúmulo de MOVIDAS en el campo del ARTE  …En LONDRES , SEÚL , BOGOTA DC…Tendremos variedad de PROPUESTAS para todos los GUSTOS…Pase a conocer NUEVOS TALENTOS mas allí del MODELITO ó PEINADO RARO que quiera lucir para demostrar lo MODERNO que se ES , apoye a esos ARTISTAS... que lo que mas les gusta es que valoren su TRABAJO…Porfa tome su CHAMPAGNE y regale mas solidaridad CREATIVA... ESO AYUDA MUCHO… 1-54 London 2018 London Oct 4th – 7th SUNDAY 2018 London Oct 4th – 7th KIAF 2018 Seoul Oct 4th – 7th Showcasing contemporary artists from Asia and beyond Frieze Masters 2018 London Oct 4th – 7th Thousands of years of art in a unique, contemporary context Frieze London 2018 London Oct 4th – 7th Leading industry fair, showcasing 160 leading contemporary galleries ASIA NOW 2018  Oct 17th – 21st, Paris Recuerden que los invitamos con  EL AMOR MENOS PENSADO…pero al fin y al cabo amor  al fin...

Queremos invitarlos a la Avant Premier de "El amor menos pensado" de Juan Vera con Ricardo Darín y Merecedes Morán que cuenta lo que le ocurre a una pareja que llevan casados más de 25 años, cuando el hijo de ambos decide irse a estudiar a España. La Avant Premier será el MIERCOLES 3 de OCTUBRE a las 19:30hs en el Cinépolis Claro (Carrera 68A # 24B -10, Ciudad Salitre). Tenemos algunas entradas dobles, si nos quieren acompañar les pedimos que nos lo hagan saber por este medio y les diremos cómo acceder a uno de los 10 pases dobles.

Miércoles de megamostaza

  • Inauguración miércoles 26 septiembre, 2018
  • Apertura oficial del Festival Entreviñetas 2018 en Bogotá | 5 pm
Miercoles de MostazaPrograma Alternativo
Celebramos el segundo aniversario del Miércoles de Mostaza con la apertura del Noveno Festival Entreviñetas, la gran fiesta para el cómic y el dibujo en Colombia. Será entonces una noche de festejos en la que los autores invitados compartirán sus extravagancias gráficas, nos contarán (a manera de conferencias breves y recorridos guiados) en qué proyectos están. La noche cerrará con la presentación especial del dibujante alemán Reinhard Kleist quien dibujará en vivo la música de una banda bogotana sorpresa. Sobre Reinhard Kleist (Alemania, 1970)
Es graduado de Diseño gráfico en la Fachhochschule Münster, donde creó sus álbumes “Lovecraft”, “Dorian” y como tesis “Abenteur eines Weichenstellers”. En 1996 ganó el premio Max-and-Moritz en el Salón Internacional de Cómic de Erlangen, en la categoría Mejor Álbum Cómico en idioma alemán. En 2006 publicó una biografía sobre Elvis Presley bajo el título “Elvis”. En 2008 viajó a Cuba, donde dibujó y esbozó escenas callejeras de La Habana, que compiló en el álbum de comics “Havanna” en 2009. En 2011, se lanzó su libro “Der Boxer”, que cuenta la historia del boxeador judío Harry Haft. Entre su trabajo reciente encontramos el libre “Der Traum von Olympia” (El sueño de Olimpia), sobre la corredora somalí Samia Yusuf Omar. Visite:
_____________________________________________________________________________ El Miércoles de Mostaza es un espacio dedicado a la experimentación en torno al dibujo para expertos y novatos. Se trata de un encuentro mensual en donde cada sesión es guiada por un invitado distinto, quien propone las dinámicas y ejercicios para enfrentar la hoja en blanco y generar nuevas aproximaciones al dibujo y la ilustración. Es una actividad de participación gratuita, abierta a todo tipo de público y se realiza en alianza con el Festival Entreviñetas. _____________________________________________________________________________ Apoyan: Goethe Institut Espacios Concertados – Idartes

  Fine Art Asia 2018 FINE ART ASIA 2018 Sep 29th – Oct 2nd, Hong Kong ViennaContemporary 2018 VIENNACONTEMPORARY 2018 Sep 27th – 30th, Wien PHOTOFAIRS | Shanghai 2018 PHOTOFAIRS | SHANGHAI 2018 Sep 21st – 23rd, Shanghai EXPO CHICAGO 2018 EXPO CHICAGO 2018 Sep 27th – 30th, Chicago  

VALERIA BECERRA …una VERDADERA becerra de la fotografia , pero siempre se INICIA verdad..? Y esta NOVEL FOTOGRÁFA colombiana ya partió a PARIS a seguir capacitándose , desde allí como los BEBES volverá o nos enviará y nos regalará : eso de lo charlamos en su MUESTRA  ; VOLAR en BLANCO & DORADO... Se vino la muestra en un CLICK y esas TAJADITAS DE TIEMPO DE UN MILIMETRO DE ESPESOR ...MONICA MEZA CEBALLOS dixit…tomaran VIDA como lo que son , expresiones VIVAS... Y le vamos contando como se armó … Aqui parte de su PROPUESTA... Y eso se lo  MOSTRAMOS a nuestra manera …  acerquese a verla. AH..! por ultimo ya la invitaron a su segunda MUESTRA , esta vez COLECTIVA...

Cuando se SIENTA en nuestro SILLÓN , DESCUBRIMOS el SER  HUMANO que vive como cada una de sus INSTANTANEAS … Noa cuenta su CUENTITO con la mejor  de las ENERGÍAS , esa que desde la SENCILLEZ y DULZURA se hace CREÍBLE…. ...y en este TRIPTICO visual es donde encuentras la ESENCIA del por qué..? BLANCO & DORADO... SAQUESE Las dudas y repase su muestra….


Entre los días 13 y 18 de septiembre de 2018 la EMBAJADA ARGENTINA en COLOMBIA ha organizado la Cuarta Semana de Cine Argentino que organiza anualmente en asociación con la Cinemateca Distrital de Bogotá. Este año se ha  preparado una programación con ocho películas recientes que abarcan diferentes temáticas y géneros con las que se busca mostrar la diversidad y calidad del cine actual. La inauguración será el jueves 13 de septiembre a las 19hs con la película "La luz incidente" (2015) de Ariel Rotter. Los precios para poder ver las películas son muy accesibles, ya que se abona $2.500 para público general y $2.000 para los estudiantes
Nuestros AMIGOS de ARTSPACE nos acercan ; en mes de movidas ARTÌSTICAS ,un regio panorama para ver COSITAS bonitas , aqui les dejamos un PANORAMA para tener en CUENTA...  ON THE WALL Fall Art Preview 2018: 13 Museum Shows to Catch this September, October, & November     RACHEL WHITEREAD National Gallery of Art, Washington DC September 16 – January 13 Vienna (2018) is available on Artspace for $2012 Whiteread was the first woman to win the Turner Prize in 1993, the year she also cast a life-sized reproduction of the interior of a house in London’s East End. (House lasted a few months before being controversially demolished.) When we previewed fall museum shows last year, this survey on the artist was about to open at Tate Britain. Now the show is traveling stateside—so if you’re on the East Coast, this fall is your time to see the most comprehensive survey to date of the artist’s 25-year career, which is marked by the use of industrial materials like plaster, concrete, rubber, and metal to cast every-day objects and domestic spaces. SIAH ARMAJANI Walker Art Center September 8 – December 30 Tomb for Alfred Whitehead, 2013 is available on Artspace for $761 Tehran-born, Minneapolis-based artist Siah Armajani is most known for his works of public art, like the artist’s 375-foot bridge connecting Loring Park to the Minneapolis Sculpture Garden near the Walker. "Siah Armajani: Follow This Line" will be the first compressive U.S. retrospective devoted to his work, spanning six decades of the artist’s studio space, engaging “a range of references—from Persian calligraphy to the manifesto, letter, and talisman; from poetry to mathematical equations and computer programming; from the Abstract Expressionist canvas to the vernacular architecture of rural America, Bauhaus design, and Russian Constructivism.” MARGUERITE HUMEAU New Museum, New York September 4 – January 6 FOWP2, (Mutation), 2016 is available on Artspace for $1,903 French artist Marguerite Humeau starts her process with a deep investigation on a chosen subject, engaging with experts in a diverse range of fields like history, zoology, anthropology, linguistics, and engineering. Her videos and sculpture often center “on the origins of humankind and associated histories of language, love, spirituality, and war.” Following recent solo exhibitions at Tate Britain and Palais de Tokyo, Humeau will present a new body of digitally rendered sculptures materialized in cast stone cast bronze for her first U.S. solo museum show at the New Museum this fall.
ETEL ADNAN SFMOMA, San Francisco September 1 – January 6 Etel Adnan, 2014. Photo by Patrick Dandy. Courtesy of White Cube. Image via Lebanese-born artist, poet, and essayist Etel Adnan has recently been enjoying success late in her career (very late—the artist is 93 years old.) While her earliest paintings were purely abstract, Adnan’s become most known for her reductive landscape paintings. But the exhibition “New Work: Etel Adnan” presents the artist’s recent return to abstraction in both paintings and tapestries. It will be her first presentation at SFMOMA, and a homecoming of sorts—much of her work is inspired by the Bay Area landscape, where she lived for more than 50 years of her life. BRUCE NAUMAN MoMA + MoMA PS1, New York and Queens October 21 – February 18 (MoMA); October 21 – February 25 (MoMA PS1)   Verso Recto (state II), 1998 is available on Artspace for $3,000 The first comprehensive retrospective of American artist Bruce Nauman in over 20 years, “Bruce Nauman: Disappearing Acts” is presented by Schaulager, Basel, The Museum of Modern Art, and MoMA PS1. The show spans the artist’s entire 60-year career, showing the wide range of mediums—from performance, installation, neon, and film to drawing, photography, printmaking, and sculpture—that have come to define this influential artist’s oeuvre. “’Disappearing Acts traces strategies of withdrawal in Nauman’s work—both literal and figurative incidents of removal, deflection, and concealment,” says the press release. “Bodies are fragmented, centers are left empty, voices emanate from hidden speakers; the artist sculptures himself in absentia, appearing only as negative space.” MICKALENE THOMAS The Dayton Art Institute, Ohio October 20 – January 13 Racquel Come to Me Two (2018) is available on Artspace for $1,000 This free exhibition organized by Crystal Bridges hopes to expand the definition of contemporary art by displaying over 80 works by today’s Indigenous artists from the U.S. and Canada—including Athena LaTocha, Shan Goshorn, and Spiderwoman Theater. CHARLES WHITE The Museum of Modern Art, New York October 7 - January 13 Charles White. Sound of Silence (1978). Image via MoMA. Charles White believed that art was an integral part of the struggle for liberation: throughout his career, he was steadfastly dedicated to depicting African-Americans in powerful “images of dignity.” His socially-minded practice placed him in the center of an active creative community within each of the cities where he lived, and he became an important teacher of young artists of color. This exhibit at MoMA—the first of its breadth in a major museum in over 30 years—spans his entire four-decade career with over 100 pieces of painting, drawing, photography, and more. HILMA AF KLINT The Solomon R. Guggenheim Museum, New York October 26 - January 27 Hilma af Klint, Group IV, The Ten Largest, No. 7, Adulthood, 1907. Image via the Guggenheim. Centering on Hilma af Klint’s breakthrough years (1906-20), this exhibit at the Guggenheim (her first major solo exhibition in the U.S.) will display the non-objective, radically abstract paintings of this groundbreaking and under-appreciated artist. Unlike her better-known contemporaries, Af Klint did not widely show her work during her life, and therefore did not receive appropriate attention until the late '80s. WILLIAM FORSYTHE The Institute of Contemporary Art, Boston October 31 - February 24 William Forsythe, The Fact of Matter, 2009. Image via World-renowned choreographer William Forsythe will transform the ICA into a space of interactive, site-responsive installation, allowing visitors to create their own choreography as they move throughout the exhibit. Concurrent with his groundbreaking classical choreography and stage productions since the 1990s, Forsythe has created what he calls “Choreographic Objects,” installations, sculptures, and films that invite the viewer to engage with the idea of choreography and which will now be displayed for the first time in full in America. NOVEMBER MARTHA ROSLER The Jewish Museum, New York November 2 - March 3 Go Underground, 2013 is available on Artspace for $264. Using photomontage, photography, sculpture, installation, and video, Martha Rosler has continuously interrogated our social and political world and taken on timely issues including feminism, poverty, consumerism, war, and gentrification. This exhibition, presented by the Jewish Museum, will be the first survey of Rosler’s work in New York in over 15 years. ANDY WARHOL Whitney Museum of American Art, New York November 12 - March 31 Soup Can Bag is available on Artspace for $4,500 “Andy Warhol—From A to B and Back Again” is the first Warhol retrospective organized in the U.S. since 1989, and considers a wealth of new research and materials uncovered since 1987, the year of the artist’s untimely death. Promising to reveal “new complexities about the Warhol we think we know,” the exhibition illustrates the artist’s progression from one period to the next; “His repetitions, distortions, camouflaging, incongruous color, and recycling of his own imagery challenge our faith in images and the value of cultural icons, anticipating the profound effects and issues of the current digital age.” This is a show not to miss. (Plus, Phaidon will soon be releasing The Andy Warhol catalogue Raisonné, Paintings 1976-1978 - Volume 5 and we can't wait. It's available for pre-order now.) GORDON PARKS The National Gallery of Art, D.C. November 4 - February 18 Untitled, Mobile, Alabama (1956) is available on Artspace for $5,000 - $7,000 Focusing on the most formative decade of Gordon Parks’s career and exploring the influence of early experiences and relationships on his work, "Gordon Parks: The New Tide, Early Work, 1940-1950) at D.C.’s National Gallery will present over 150 images and other memorabilia of Parks’s from the 1940s. The self-taught photographer is best known for documenting American culture for over 60 years with a focus on civil rights and urban life while working professionally for Life (where he was the first African-American photographer), Ebony, Vogue, and Fortune. "Outliers and American Vanguard Art" The Los Angeles County Museum of Art November 18 - March 28 Cindy Sherman, Mask Over Baby Doll, 1987-1992 is available on Artspace for $4,500 Featuring over 80 artists—including Cindy Sherman, Matt Mullican, Martín Ramírez, Betye Saar, Kara Walker, Lonnie Holley, Sister Gertrude Morgan, and Charles Sheeler—and 250 works, this show at LACMA will explore the key interchanges between American avant-garde artists and outsiders and the important results of these intersections on the art world. The exhibit will be presented in three parts, each focusing on how these themes played out during a different time period.

· Este desarrollo de ingeniería nacional participará en el European Rover Challenge, en Polonia, en el mes de septiembre. · Solo 20 países del mundo consiguieron un cupo para la competencia.

Bogotá, agosto de 2018. Axis Communications, fabricante de soluciones para videovigilancia, audio y control de acceso IP, estará presentando en el marco de la Feria Internacional de Seguridad desde mañana 22 de agosto en Corferias, un vehículo tipo Rover, desarrollado 100% por emprendedores colombianos. Esta innovación obtuvo un cupo en uno de los mayores eventos internacionales de robótica y del espacio a nivel mundial, patrocinado por entidades como la Fundación Espacial Europea, la Agencia Espacial Polaca y la Mars Society Poland, esta última enfocada en llevar a cabo una misión tripulada a Marte. Una de las principales cualidades del vehículo es su total autonomía de desplazamiento, identificando no sólo los obstáculos sino también el tipo de suelo y las condiciones del terreno, lo que le permite maniobrar y cumplir sus objetivos de investigación sin necesidad de intervención humana en cualquier lugar del espacio. Para alcanzar este nivel de autonomía fueron utilizadas cuatro cámaras AXIS FA54, cada una enfocando una llanta del Rover. A partir de las imágenes de las cámaras, el vehículo hace un análisis continuo del suelo y los obstáculos a su alrededor, a la manera de vehículos autónomos. Las cámaras Axis tienen una plataforma abierta, lo que permite su fácil integración con softwares desarrollados por terceros. Las cámaras también tienen un Amplio Rango Dinámico con Captura Forense, lo que implica una alta calidad de imagen. Adicionalmente, su lente tiene apertura de 110 grados, haciendo con que la visión del robot supere los 360 grados de una cámara tradicional periférica. Eso permite que el brazo robótico tenga mayor visibilidad y rango de ejecución. Entre las exigencias de los organizadores del European Rover Challenge – ERC, está la utilización de la menor cantidad de transferencia posible en un solo puerto Ethernet, especificación con la que también cuentan las cámaras seleccionadas, gracias a su tecnología Zipstream, que reduce los requisitos de ancho de banda y almacenamiento en un 50 % o más. El equipo desarrollador está liderado por la empresa colombiana Cibersoftware Automatización Ltda, y conformado por profesionales que ya han participado en otras ferias y proyectos internacionales en la NASA, llegando incluso a obtener reconocimientos especiales. Adicionalmente, se contó con el apoyo y asesoría de diferentes entidades colombianas que promulgan el desarrollo de I+D+i. Adolfo Wilches, gerente general de Cibersoftware, resalta la importancia del ingenio colombiano unido a la excelente tecnología, garantía y respaldo que ofrecen las cámaras utilizadas. “En los más de 18 años que hemos venido trabajando con Axis hemos podido comprobar su gran fiabilidad, lo cual nos da la absoluta confianza de que no tendremos inconvenientes en su operación”. Se planea que estos vehículos sean utilizados también para desarrollar patrullajes autónomos en terrenos de la geografía colombiana donde no se requiere permanencia de personal de seguridad y en sectores como el minero energético, donde pueden apoyar el trabajo humano. ESS 2018” MAS QUE UNA FERIA, UN CENTRO DE EXPERENCIAS” Agéndese 22 al 24 de agosto de 2018 Bogotá – Colombia

  En esta ocasión queremos compartir con ustedes VAN GOGH El genio visto a través de los ojos de su mayor coleccionista. VAN GOGH "DEL BOCETO A LO SUBLIME" FECHA: 26 Agosto - Domingo HORA: 12:00 Medio día LUGAR: Cine Colombia - Multiplex Unicentro LAS PRIMERAS CUATRO PERSONAS EN CONTESTAR LA SIGUIENTE PREGUNTA GANARÁN BOLETAS DOBLES PARA ASISTIR A VAN GOGH ·¿En qué fecha falleció Vincent Van Gogh ?

About EXPO CHICAGO Sep 27th – 30th EXPO CHICAGO, the International Exposition of Contemporary & Modern Art, has established the city of Chicago as a preeminent art fair destination. Opening the fall art season each September, EXPO CHICAGO takes place at historic Navy Pier, whose vast vaulted architecture hosts leading international art galleries alongside one of the highest quality platforms for global contemporary art and culture. Dedicated to rigorous and challenging programming, EXPO CHICAGO initiates strategic international partnerships, built alongside strong institutional relationships with major local museums and organizations to open parallel exhibitions and events. The 2018 edition of EXPO CHICAGO (September 27-30, 2018) will align with Art Design Chicago, an initiative of the Terra Foundation for American Art, to present various programs and events throughout EXPO ART WEEK including panel discussions, performances, and activations across the city. More Information: EXPO CHICAGO Website Location: Navy Pie August 22nd EXPO CHICAGO Announces Artists for 2018 Edition of OVERRIDE | A Billboard Project EXPO CHICAGO August 22nd EXPO CHICAGO Announces 2018 On-Site Program for IN/SITU, EXPO VIDEO, EXPO Sound and IN/SITU Outside Including Works by Major International Artists

EXPO CHICAGO Announces Unprecedented International Programmic Expansion EXPO CHICAGO Chicago Humanities Festival to Present “Creative Chicago: An Interview Marathon” with Hans Ulrich Obrist, Part of Art Design Chicago 2018 EXPO CHICAGO Announces IN/SITU, VIDEO, & EXPOSURE Curators and Selection Committee for 2018 Exposition EXPO CHICAGO September 20th Sixth Annual Opening Preview of EXPO CHICAGO and the MCA’S Vernissage Welcomes More Than 8,500 People at Navy Pier EXPO CHICAGO     It’s National Book Lover’s Day and we’ve got the perfect way to celebrate! In partnership with Tall Poppy Writers we’ve put together the newest Books and Bottles collection, pairing amazing books with amazing wine. Enjoy $10 shipping with the purchase of one or more Books and Bottles collections.

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  TIPOLOGÍA DEL ESPEJO - ÚLTIMOS DÍAS VIERNES 10 DE AGOSTO 10AM - 5PM / SÁBADO 11 DE AGOSTO 1PM - 4PM VISITA GUIADA: SÁBADO 11 DE AGOSTO - 3PM Llegamos al cierre de nuestro segundo ciclo de exposiciones del año. Lo invitamos a visitar la exposición Tipología del espejo de los artistas Bernardo Ortiz y Erick Beltrán, que estará abierta al público hasta este sábado 11 de agosto. Como actividad especial ofreceremos una visita guiada con los mediadores a las 3PM. Esta exposición presenta una serie de estructuras, imágenes, textos y diagramas que se construyen en conjunción con el edificio de Espacio Odeón. La relación entre todas estas formas plantea diferentes lecturas posibles sobre lo que se presenta como realidad o por lo menos como imagen de una realidad. En esa medida el proyecto se plantea como la manifestación de un doble, del reflejo que permite ver un universo dentro de otro. O del espacio que se pliega sobre sí mismo y así crea un nuevo espacio, una suerte de repetición o desdoblamiento que genera una nueva realidad. Leer más+


CAMPO, The Oslo School of Architecture and Design AHO y La Unidad Interdisciplinar Colombia del Departamento de Arquitectura de la Universidad de los Andes, presentan: ANTEPROYECTO RURAL ¿Cómo se accede, representa y archiva la ruralidad colombiana? Un proyecto que investiga las potencialidades de la ruralidad en Colombia en la actualidad a través de la arquitectura, el urbanismo y el arte contemporáneo, con la intención de provocar encuentros entre diversos actores y grupos de interés, gubernamentales y no gubernamentales, comprometidos en cuestionar y proyectar el territorio rural colombiano. PROGRAMA: Simposio - Martes 14 de agosto 2PM - 7PM Agencia Nacional De Tierras / Juan Pablo Aschner Instituto Humboldt / Luis Callejas / Instituto Geográfico Agustín Codazzi / Clemencia Escallón / Daniel Feldman / Parques Nacionales Naturales De Colombia / Janike Kampevold Larsen / Sebastián Contreras / Ambulante Colombia / Pácifista! / Campo Exposición - Martes 14 de agosto - Inauguración 7PM Participan: Altiplano / Alberto Baraya / María Buenaventura C.A.U / Luis Callejas / La Decanatura / Juan David Laserna / Mapas / Mariana Murcia / Mónica Restrepo / Monumental / Reyes Santiago Rojas / Unidad Colombia / Taller Territorio / Xcoop Conferencia - Miércoles 15 de agosto 6PM Luis Callejas / Janike Kampevold Larsen Proyección de documentales - Jueves 16 de agosto 6PM Ambulante Colombia    

Seattle Art Fair 2018 Seattle Aug 2nd – 5th Highlighting works from the fair's fourth edition

  ARTSY SPECIALIST Nuestros grandes amigos nos envian estas joyita del  MUNDO DEL ARTE... JUL 23RD, 2018 11:37 PM Artists have been painting flowers, fruits, and household objects for thousands of years, but there’s something vibrant about contemporary still lifes. Whether capturing potted plants or cans of food, these seven artists transform today’s odds and ends into vivid, whimsical, and mysterious works of art. To buy any of these pieces, you can click on the image to contact the gallery directly. Alan Fears Fears highlights the joyfulness of everyday life, drawing attention to ordinary (yet charming) household objects, such as this bowl of “boring oranges” and a can of pie filling.      

FIRST LOOK Cecil Beaton’s Fascinating Take on Marlon Brando

Cecil Beaton on… Marlon Brando by Sotheby's | Jul 19, 2018 DEMAS ESTA DECIR QUE ESTA BELLEZA DE SUBASTA ES SOLO UNA MAS DE NUESTROS AMIGOS …LIDERES EN ESTOS EVENTOS…. Cecil Beaton was one of the most celebrated photographers of the 20th century and his iconic images captured everyone from Hollywood greats such as Elizabeth Taylor and Grace Kelly to art world legends including Picasso and Francis Bacon. In a new series adapted from Hugo Vickers’ book Cecil Beaton Portraits & Profiles, we take a look at images from the Cecil Beaton Studio Archive, which is located at Sotheby’s in London, and uncover what he really thought about his famous subjects. Beaton encountered Marlon Brando in 1957 at Tokyo Airport, where he had travelled with Truman Capote who was to interview the star. Brando was starring in Sayonara at the time although he is best known for starring in A Streetcar Named Desire on both stage and screen, On The Waterfront, Apocalypse Now and The Godfather. One of the most iconic film stars of all time, Beaton found Brando to be an enigma, writing in his diary after the meeting: “Is he pretending to be tougher than he is? Does he try to hide an intelligent, sensitive core, or is he a charlatan pretending to be an intellectual? Whatever he may be, his anarchic muggings and behaviour are always intensely interesting to watch on the screen.”

MARLON BRANDO, 1957 BY CECIL BEATON © THE CECIL BEATON STUDIO ARCHIVE AT SOTHEBY’S He also found Brando’s appearance to be somewhat irregular: “Pallid as a mushroom, smooth-skinned and scarred, with curved feminine lips and silky hair often falling in picturesque disarray, he seems as unhealthy as a lame duck. Yet his ram-like profile has the harsh strength of the gutter.” Brando’s reputation for being difficult to work with did not escape Beaton, but he saw this as evidence of Hollywood’s changes: “Dimly, we sense that the expression of Marlon Brando’s personality is somewhat right for the historical moment. Twenty years ago he would have been considered a freak. Managers might have accepted his refusal to continue working under their contracts, but today he reflects our theatrical needs.” Marlon Brando MARLON BRANDO, 1957 BY CECIL BEATON © THE CECIL BEATON STUDIO ARCHIVE AT SOTHEBY’S   OVERVIEW More on Cecil Beaton View his Biography The Cecil Beaton Studio Archive is a celebratory record of the 20th century’s most influential figures, seen through the eyes of British photographer and award-winning set and costume designer Cecil Beaton. Located at Sotheby’s London and managed by Art Agency, Partners, the archive consists of over 100,000 negatives and 9,000 vintage prints from Beaton’s personal collection. Cecil Beaton negotiated the transfer of his private archive to Sotheby’s in 1977 to preserve it for future generations. Today, the collection – some of which is still stored in Beaton’s original filing cabinets – is available to license and reproduce in print, on film and television, and for exhibition worldwide. From 2018, posthumous prints of selected images from the archive will be available for sale online. SALEROOM NOTICE

Imaginario INICIOPIPI-LATINOAMÉRICAPI-INTERIORSTAFFCONTACTO Proyecto Imaginario – Latinoamérica es un ciclo anual de formación a distancia para fotógrafos y artistas visuales. Proyecto Imaginario es un programa de formación avanzado para fotógrafos y artistas visuales. Desde 2015 en Buenos Aires, Argentina se han realizado ocho ediciones (una en formato semipresencial) en las que participaron más de 100 fotógrafos y artistas de otras disciplinas. Dada la repercusión y trascendencia que tuvo el desarrollo del programa PI Argentina, nace PI Latinoamérica, plataforma a distancia, para ampliar la convocatoria a nivel continental, habilitando así la posibilidad de enriquecer el intercambio entre artistas de distintas latitudes. PI-Latinoamérica se basa en el seguimiento en profundidad de la obra de cada artista. Proponemos un ámbito de intercambio permanente que enriquezca la producción con miradas diversas y refuerce el análisis y la conceptualización del trabajo de cada participante. PI-Latinoamérica aborda la vinculación entre artista, obra y público y brinda las herramientas necesarias para potenciar este diálogo. El programa busca también fortalecer la gestión y circulación de obra, acercando un panorama actual del mercado del arte. Para lograr estos objetivos, a lo largo de nuestro programa, destacados docentes de la fotografía y las artes visuales trabajarán en formato de clínica con cada proyecto para potenciar la obra desde múltiples perspectivas y dictarán seminarios y talleres específicos. A estas actividades se sumarán clases magistrales de referentes internacionales del medio. Las clases se desarrollarán en forma virtual entre los meses de agosto de 2018 y julio de 2019. Todas las clases serán dictadas en vivo para fomentar la participación y quedarán registradas para futuras consultas. ¿A quiénes está destinada la convocatoria? A fotógrafos y artistas visuales que quieran fortalecerse como autores, profundizar la reflexión sobre la obra propia e impulsar su producción. ¿Cómo participo de la convocatoria? 1. Leé en detalle las bases para aplicar a Proyecto Imaginario a distancia. 2. Prepará el material de tu presentación en un archivo PDF. 3. Completá el formulario de aplicación con tus datos y subí ahí mismo el material que preparaste. Nosotros te contestaremos confirmando si recibimos todo correctamente. Fechas importantes Apertura de la convocatoria Lunes 9/07/2018 Cierre de la convocatoria Domingo 29/7/2018 Comunicación de resultados de la convocatoria Martes 7/8/2018 Inicio de clases Semana del 20/8/2018 APLICAR A LA CONVOCATORIA Programa 2018-2019 Proyecto Imaginario - Latinoamérica está estructurado en dos bloques de clases que corren en paralelo durante todo el año: las clínicas de obra y los talleres y seminarios que buscan apoyar la clínica desde múltiples aspectos y brindar herramientas de autogestión. A estas dos actividades se sumarán las clases magistrales dictadas por referentes internacionales. MODALIDAD El ciclo a distancia tendrá la modalidad de aula virtual y las clases se darán con el docente en vivo. Todas las clases quedarán grabadas para aquellos alumnos que no hayan podido concurrir o deseen volver a verlas. El ciclo tiene una carga de 152 hs. Las clases de los seminarios serán los días jueves de 19 a 21 horas (hora Argentina). Las instancias de clínica, donde los participantes presentarán sus proyectos a los docentes, serán los días lunes entre las 19 y las 22 horas (hora Argentina). CLÍNICA DE OBRA Con cada uno de los docentes de clínica los participantes tendrán la oportunidad de revisar en profundidad su trabajo, discutir metodologías, referencias, posibles abordajes para las siguientes etapas del proyecto, opciones de materialización y compartir dudas. Es la actividad más intensa del ciclo y la más enriquecedora para cada autor y para el grupo. Los docentes a cargo de las clínicas serán Lorena Fernández, Ignacio Iasparra y Eduardo Carrera. SEMINARIOS Y TALLERES Los seminarios y talleres están pensados para fortalecer la reflexión sobre la obra de cada participante y brindar herramientas que permitan autogestionar la producción de cada autor. Los previstos para el ciclo 2018-2019 son: La fotografía en las prácticas artísticas contemporáneas. Diego Fernando Guerra. El propósito del seminario es reflexionar sobre algunos aspectos clave de la fotografía y su lugar en el arte contemporáneo dentro y fuera de la Argentina, a partir de una serie de temas de amplio alcance que se tomarán como ejes conductores. Lejos de tratarse de un curso organizado cronológicamente ni cerrado en torno a una sucesión de movimientos artísticos o biografías de autores, el seminario nos invita a la reflexión crítica en torno a las obras, la apropiación del discurso teórico y la construcción de un punto de vista propio sobre las imágenes y sus circunstancias de producción y circulación. El texto de la obra. Silvia Gurfein. Presentación escrita del propio trabajo. Conceptualización de obra a través de la palabra como herramienta. Ejercicios de entrenamiento para encontrar las palabras: Escribir, editar, reescribir. Volver a escribir, ejercitar, soltar. Espacios de circulación. María Lightowler. Este módulo propone herramientas para sistematizar y organizar estrategias de difusión y circulación de obra, según los objetivos de cada artista. El cambio de paradigma en el circuito y campo artístico actual, exige mayor participación y profesionalismo de los artistas, que actúan como los propios gestores culturales de su producción. Edición y publicación. Eugenia Rodeyro y Magdalena Pardo. Pensar la edición como una fábrica de ideas: Fabricar un libro. Conocer a los actores de un equipo editorial: autor, editor, redactor, traductor, corrector de estilo, retocador, armador, prologuista, productor gráfico, diseñador gráfico. Taller de cuatro meses de duración en donde se trabajará en en el desarrollo de una publicación específica de la edición 2015 de Proyecto Imaginario. Cada autor podrá intervenir en cada una de las etapas del proyecto editorial. Abordaremos diversos aspectos de la dirección de arte del proyecto trabajando con la DG en vivo. Brindaremos herramientas fundamentales para publicar un libro. Edición WEB y Narrativas Transmediales. Nicolás Janowski. Estructuración, Conceptualización y utilización de soportes transmediales para proyectos con base fotográfica. Cronografías – El cine desde una mirada fotográfica. Karin Idelson e Ignacio Masllorens. Tomando como referencia esta afirmación de Jean-Luc Godard que asegura que el cine es una herencia de la fotografía, proponemos un taller sobre la práctica audiovisual desde una perspectiva fotográfica. A través de clases teórico-prácticas veremos historias, acercamientos y abordajes posibles de la representación del mundo contemporáneo mediante cámaras de video, rastreando las complicidades entre la fotografía, el video y el cine. También analizaremos obras de cineastas que provienen de la fotografía o cuyos estilos están fuertemente emparentados con la imagen fija. Taller de autoayuda para la escritura práctica. María Paula Zacharías. Escritura descriptivo-poética. Hablar en términos concretos y específicos de la propia obra. Qué hacer ante un micrófono. Autobiografía. Ensayos para una versión multiuso. Gacetilla o post sobre una muestra. Cómo comunicar lo que se hace. Redes. ¿Sí? ¿No? ¿Cómo? ¿Para qué? Llenar formularios: aplicaciones, solicitudes, subsidios y otros suplicios para lograr residencias y concursos. CLASES MAGISTRALES A lo largo del año se realizarán charlas y seminarios con referentes internacionales de la fotografía y las artes visuales. Dentro de los confirmados para el ciclo 2018-2019 se encuentran Gonzalo Golpe, Andrea Jösch y Caudi Carreras. SEGUIMIENTO DE LOS PROYECTOS Durante todo el ciclo, proponemos un seguimiento sobre los trabajos de los autores. Tanto para sus series fotográficas como para sus proyectos de publicación o exposición. Por ello es que abriremos instancias de trabajo grupales e individuales. Estos encuentros serán coordinados por María Elena Méndez y Martín Estol. Docentes Eduardo Carrera + Lorena Fernández + Ignacio Iasparra + Silvia Gurfein + Gonzalo Golpe + Nicolás Janowski + Eugenia Rodeyro + Claudi Carreras + Karin Idelson + Andrea Jösch + Ignacio Masllorens + Magdalena Pardo + María Elena Méndez + Martín Estol + María Lightowler + María Paula Zacharías + Diego Guerra + Bases para aplicar Proyecto Imaginario Latinoamérica es un programa anual a distancia compuesto por clínica de obra, seminarios, talleres y clases magistrales. Al aplicar a esta convocatoria se aplica al bloque anual completo. Una vez terminada la convocatoria se evaluará, en función de las vacantes cubiertas, la posibilidad de abrir la inscripción a los distintos seminarios en forma independiente del programa anual. QUIÉNES PUEDEN APLICAR Esta convocatoria está dirigida a fotógrafos y artistas visuales de cualquier edad, nacionalidad y lugar de residencia. Es importante aclarar que las clases serán dictadas en español. MATERIAL A PRESENTAR Los autores deberán presentar un archivo PDF en baja resolución con el siguiente material: Hasta 20 imágenes de un proyecto fotográfico con el cual el autor quiera trabajar a lo largo del ciclo de formación, o un grupo de hasta 20 imágenes que muestren la producción del autor en el caso de que no esté desarrollando actualmente un proyecto. Una síntesis conceptual del proyecto presentado o del grupo de imágenes que presenta que no exceda los 1200 caracteres. Biografía del autor que no exceda los 1200 caracteres. Si lo cree necesario otros proyectos a los fines de facilitar la evaluación de la presente aplicación RECEPCIÓN DEL MATERIAL El material deberá ser cargado en el formulario de aplicación. Se recibirán aplicaciones únicamente hasta la medianoche (hora Argentina) del domingo 29 de julio de 2018. SOBRE LA SELECCIÓN DE LOS PARTICIPANTES La función del jurado será seleccionar, entre los aplicantes, el cupo limitado de participantes para esta edición de Proyecto Imaginario Latinoamérica. Esta selección será publicada en la web ( y en las redes sociales y los autores seleccionados serán informados por correo electrónico el día 7 de agosto de 2018. FECHAS IMPORTANTES Apertura de la convocatoria. Lunes 2/07/2018. Cierre de la convocatoria. Domingo 29/7/2018. Comunicación de resultados de la convocatoria. Martes 7/8/2018. Inicio del ciclo de clases. Semana del 20/8/2018. Receso de fin de año. Desde el 17/12/2018 hasta el 31/1/2019. Fin del ciclo de clases. Julio de 2019. ARANCEL El ciclo 2018-2019 tiene un costo de 10 cuotas mensuales de $AR 2.500 para participantes residentes en Argentina y de USD 150 para no residentes. CONDICIONES DE ACEPTACIÓN El autor seleccionado en esta convocatoria se compromete a confirmar su asistencia en un plazo menor a los 5 días hábiles desde que se le notifica su selección. La confirmación de la vacante se efectivizará mediante el pago de la primer cuota. CONSULTAS Ante cualquier consulta escribir a o al Facebook de Proyecto Imaginario Staff Proyecto Imaginario es un proyecto de Casa Florida Galería. Dirección: María Elena Méndez. Coordinación general: Martín Estol. Coordinación PI Latinoamérica: Valentina Siniego. Diseño de imagen: Magdalena Pardo. Diseño de comunicación: Eugenia Rodeyro. Proyecto Imaginario Proyecto Imaginario - © 2015/2018  


Como una de las piezas centrales de la exposición Tipología del espejo, los artistas realizarán una charla-performance-maratón que durará 8 horas, la cual está basada en el planteamiento del filósofo Wittgenstein sobre el lenguaje como un juego que no tiene reglas predeterminadas sino que se construye a medida que se juega, es decir en el uso. En esta charla, dos jugadores establecen un diálogo en el que cada uno cuenta una historia a la que el otro responde con otra. Más que generar conexiones directas o temáticas entre una historia y otra, los jugadores establecen diferentes vínculos -circunstanciales, análogicos, metáforicos y microscópicos-, entre discursos e imágenes.


  Como una de las piezas centrales de la exposición Tipología del espejo, los artistas realizarán una charla-performance-maratón que durará 8 horas, la cual está basada en el planteamiento del filósofo Wittgenstein sobre el lenguaje como un juego que no tiene reglas predeterminadas sino que se construye a medida que se juega, es decir en el uso. En esta charla, dos jugadores establecen un diálogo en el que cada uno cuenta una historia a la que el otro responde con otra. Más que generar conexiones directas o temáticas entre una historia y otra, los jugadores establecen diferentes vínculos -circunstanciales, análogicos, metáforicos y microscópicos-, entre discursos e imágenes.



​ Entre el 15 de Julio y el 15 de Agosto The Water Van Project, a través de la Fundación Ayuda en Acción Colombia, estará de nuevo en Colombia, entregando en los departamentos, Cauca, Valle del Cauca, y Nariño, filtros potabilizadores de agua que beneficiarán alrededor de 3500 personas y mejorarán su calidad de vida. En esta oportunidad el proyecto contará con la presencia de diez voluntarios, nueve extranjeros (España, México, y Perú) y un colombiano. De esta manera se proveerán filtros en los municipios de Caloto y Guachené, Yacuanquer y Consacá, y Ginebra, territorios donde la Fundación Ayuda en Acción, hace presencia desde hace más de cinco años. The Water Van Project arrancó en el 2015, como iniciativa de cuatro amigos españoles, caracterizados por su espíritu solidario y aventurero, ellos decidieron empezar un viaje por América Latina, haciendo presencia en México, Perú, Guatemala y Colombia. En el año 2017 estuvieron en María La Baja y El Salado Bolivar. Allí se entregaron filtros potabilizadores agua, asegurando que 4.200 personas tuvieran acceso a agua potable. La GENTE BELLA de esta vez nos propone una INVERSION inspiradora en estos ARTISTAS…Investiguelos y apunte a crecer su COLECCION que luego le harà sentir DUEÑO de una FORTUNA de emociones que no tienen precio para todo lo demás existe MASTERCARD ,VISA o AMEX….

How to Perfect the Salon-Style Hang: An Easy Guide By Loney Abrams

The old Artspace office Taking its name and appearance from the salons of the 19th century where dozens of artworks were squeezed together onto the walls as part of academic competitions, the salon-style hang looks effortlessly boho chic when done well—but can be very easy to mess up. After all, hanging more than a few works on a single wall requires careful consideration of many make-or-break factors: spacing, proportions, frame styles, color pallets, and composition. Here, we’ve put together a guide to help you master this all-important display strategy, which can make a large wall look attractively full without having to pay the big bucks for a giant, expensive artwork.GETTING STARTED For those lucky enough to have huge, un-hung collections, beginning your salon-style wall will involve laying artworks on the floor to see how they might fit together. With all your puzzle pieces laid before you, you have the advantage of visualizing your options before tapping in a single nail. But for many of us who are slowly developing our collections, our salon-style wall may come together piece by piece. If buying works specifically for a salon-style wall, consider giving yourself some collecting guidelines. There aren’t any hard and fast rules here, and the most important thing is that you love each and every artwork—if you stay true to your style, chances are your wall will come together organically. But if you need a little nudge to get you started, consider organizing your collection around a single theme, whether that theme be based on aesthetics or subject matter. Here are a few options to mull over: Theme #1: Portraits Historically, salons of the 19th century most often showcased portraits and landscapes painted in oil. For an updated take on a classic, fill your wall with a wide range of contemporary portraiture. Here’s a collection of portraits that would look great together. Theme #2: Black and White If you’re worried about your arrangement being too garish or clashing with the rest of your room, go for punchy, graphic, black-and-white pieces that are varied in texture and medium, but limited in color. This option is great for more minimalist or industrial chic homes. Here’s a collection of black-and-white works that are sure to add sophistication to your any room in your home. Theme #3: Monochrome All pictured works are available on Artspace. (Rendering not representative of scale.) Make a statement with color. Use our Color Theory 101 guide to figure out which hue will best compliment your room, whether you’re going for an analogous, complimentary, or triadic color scheme. Then, collect some works that share the same color, and pull it all together by adding in some pieces in neutral tones like cream or gray. That way, your wall won’t be overwhelming and instead will offer a few carefully considered pops of color. Interior designers couldn’t be more excited about emerald green this year—a color that has traditionally been ignored by décor and fashion enthusiasts until now—making it a great choice for those on the cutting edge. Here’s a collection of green and cream colored works that together look as edgy as ever. FRAMING For a cleaner, more streamlined wall, opt for thin frames in just two or three different finishes. Varying margins on your mat boards can add variety to the overall look. And, you can lay unframed paintings and framed photographs and prints side by side without having either one feel out of place. If you’re going for a more old-timey feel, with portraits and landscapes in oil, vintage and ornate gold frames can look great—but since some will probably be quite thick, don't crowd the thick frames together but instead have them dispersed throughout the cluster. This option looks best on dark colored walls. FINDING THE RIGHT WALL Do you have a small or irregular wall? In this case, you may consider filling the entire wall with artwork, floor to ceiling, spanning the entire width. This doesn’t necessarily mean cramming it with artworks, however—you can easily space out the arrangement to fill the space in a balanced way with out blowing all your cash on a slew of works. When working with a large wall, like one found in a loft space, large living room, or open floor plan, hanging art can create a focal point, concentrating interest in one particular area to help guide your eye around the room. So rather than fill the entire wall like you might with a small or irregular space, hang your cluster above a couch in a living area or a headboard in a bedroom. It tends to look best when the artworks on the edge hang just beyond the edge of the couch or bed frame. A Dealer Arrested for A Giant Heroin Spoon, Another Spanish Botched Restoration, & More Art News from the Week of June 25, 2018 By Loney Abrams JUNE 29, 2018

A Dealer Arrested for A Giant Heroin Spoon, Another Spanish Botched Restoration, & More Art News from the Week of June 25, 2018 Victoria Beckham. Image via Robb Report. Here are the top headlines for the week of June 25, 2018: Not Famous? Then You Aren't Allowed to See This L.A. Mural Image via the Independant. While there is no shortage of angel wing murals in Los Angeles (it’s the city of angels, get it?), there’s one in particular that’s been making headlines this week. Sure, the whole point of graffiti is that it’s made to be seen in public and is accessible to “normal” people who don’t spend all their free time in galleries and museums... and yet a recent angel wing mural is completely out of view—unless you have at least 20,000 followers on Twitter. Yeah. The group behind the mural seems to be a social media account Like and Subscribe (@likeandsub) which ironically only has 10.3k followers, making them ineligible to see their own mural, which is guarded by security. There are rumors, however, that this may be a stunt by Dillon Francis, an EDM musician. Whether or not it’s a tongue-and-cheek critique, or just a bad PR campaign, this totally mediocre mural has gotten all the attention it aimed for—even if it’s far from complimentary. Art Dealer Arrested for Refusing to Remove a Giant Heroin Spoon in Front of Purdue Pharma Image via Time. In protest of Purdue Pharma—which produces Oxycontin, a drug that’s largely responsible for the nation’s opioid crises—art dealer Fernando Luis Alvarez installed a massive, 700-pound sculpture in front of the company's headquarters in Stamford, Connecticut. The gesture comes after Nan Goldin, renowned photographer and recovering opioid addict, has been criticizing the Sackler Family, which own a majority stake in Purdue, along with the museums and institutions that have received money from the family. The sculpture, made by artist Domenic Esposito, is a gigantic burnt heroin spoon—and because Alvarez refused to remove it when police instructed him to, he faces a misdemeanor charge for obstruction of free passage, and a felony charge for failure to remove it, according to Artforum. Plus, he may be charged for the removal and storage of the massive artwork. Remember Botched Jesus? Another Whack Restoration Job in Spain Gives the Internet Meme Ammo

Image via Twitter. Who can forget when, in 2013, a failed restoration of a century-old fresco of Jesus at a Spanish church was so terrible it went viral, uniting forever-scarred art historians and internet-addicted meme lords alike. Now, and again in a Spanish church, a 16th-century wooden figure of St. George was “restored” by a local workshop. The results horrified the church authorities, and provided the internet with jokes likening the sculpture to the Tintin cartoon or a Playmobil character.

Victoria Beckham Is Selling Old Master Paintings in Her London Boutique

Image via Robb Report. In what seems like a marketing ploy by Sotheby’s ahead of their July 4 London evening sale, the auction house has teamed up with pop star-turned-fashion-designer Victoria Beckham to hang 16 old master portraits in Beckham’s store. Included in the selection is Portrait of a Bearded Venetian Nobleman by Sir Peter Paul Rubens from around the 1620s and estimated to rake in $4.2 - 5.8 million; and Portrait of a Man with a Spotted Fur Collar from 1508 painted by Lucas Cranach The Elder, estimated at $2.1 - 2.8 million. While the star has worked with artists before (she hosted an in-store exhibition by Martin Creed in 2015), she only recently became interested in old master paintings. “It was my first visit to the Frick in New York last year that really opened my eyes to old masters,” she tells Robb Report. “And [the Frick] is where my fascination began.”

Warm Your Paddles for Artspace's Summer Auction! Get your virtual paddles ready and find great deals on big-name artists like Yoshimoto Nara, Jeff Koons, Laurie Simmons, and Jasper Johns—just don't forget to place your bids by Monday, June 25th at 9 PM EST. Ready, set—Bid! DAVID LYNCH BUNCH 1 Mixed media on paper 22" x 30" THIS AUCTION IS OVER. INTERESTED IN THIS PIECE, OR THIS ARTIST? CONTACT YOUR PERSONAL ARTSPACE ART ADVISOR Keith Haring - Andy Mouse (Blue) KEITH HARING Andy Mouse (Blue) Vinyl 6" x 5" x 4" THIS AUCTION IS OVER. INTERESTED IN THIS PIECE, OR THIS ARTIST? CONTACT YOUR PERSONAL ARTSPACE ART ADVISOR Yoshitomo Nara - Aomori-Ken Dog Piggy Bank (Blue) YOSHITOMO NARA Aomori-Ken Dog Piggy Bank (Blue) PVC THIS AUCTION IS OVER. INTERESTED IN THIS PIECE, OR THIS ARTIST? CONTACT YOUR PERSONAL ARTSPACE ART ADVISOR Jeff Koons - Balloon Dog (Blue) JEFF KOONS Balloon Dog (Blue) Cast porcelain coated with a reflective finish 10" x 10" x 5" THIS AUCTION IS OVER. INTERESTED IN THIS PIECE, OR THIS ARTIST? CONTACT YOUR PERSONAL ARTSPACE ART ADVISOR  



8 Summer-Inspired Artists to Collect ARTSY SPECIALIST JUN 19TH, 2018 1:38 PM Countless artists have captured the spirit of summer, depicting loungers by the pool, hot dog stands on the boardwalk, and more. This season, you can bring the sunshine indoors with these color-filled photographs, paintings, and prints. To buy any of these works, you can click on the image to contact the gallery directly. Alex Farnum From surfers to sunbathers, this West Coast photographer captures the lights, colors, and adventures of summer days outdoors. $150–1,250 Color Blockers Alex Farnum Color Blockers ArtStar Indian Summer Alex Farnum Indian Summer ArtStar Massimo Vitali Vitali is known for his large-format panoramas of Italian coasts, which invite viewers to look up close to discover the beachgoers’ glamorous and comical behaviors. €40,000 Butterfly Valley Massimo Vitali Butterfly Valley, 2008 Ronchini Gallery Carcavelos Pier, Portugal Massimo Vitali Carcavelos Pier, Portugal, 2016 Benrubi Gallery Ben Thomas For his series Chroma II, the Australian artist headed to New York to photograph the city’s iconic landmarks—such as Coney Island’s Thunderbolt roller coaster—in his signature, highly-saturated aesthetic. $1,225–4,650 Nathan's Ben Thomas Nathan's, 2016 Duran Mashaal Thunderbolt Ben Thomas Thunderbolt, 2016 Duran Mashaal Paul's D Ben Thomas Paul's D, 2016 Duran Mashaal Derrick Adams In his “Floater” paintings, Adams portrays black figures decompressing in the pool, lounging on swan floaties, and relaxing in the sun. Contact for Price Floater No.16 (Rainbow Popsicle) Derrick Adams Floater No.16 (Rainbow Popsicle), 2016 Vigo Gallery Floater No.22 (sailboat) Derrick Adams Floater No.22 (sailboat), 2016 Project for Empty Space Slim Aarons In the 1950s, Aarons began documenting the jet-setting lives of America’s rich and famous, from mansions in California to yachts at sea. $935–3,350 Poolside Gossip *SUPERSIZE* Slim Aarons Poolside Gossip *SUPERSIZE*, 1970 Galerie Prints Amalfi Coast, limited edition print Slim Aarons Amalfi Coast, limited edition print, 1984 Getty Images Gallery Marjorie Strider This Pop artist—one of the many female practitioners of the movement—is known for her bright three-dimensional paintings, which often satirize the bikini-clad women portrayed in men’s magazines. $29,500–75,000 Bond Girl Marjorie Strider Bond Girl Joanne Artman Gallery Jump In Marjorie Strider Jump In, 2010 Lawrence Fine Art Eric Fischl The neo-expressionist painter is fascinated by the dynamics at the beach, exploring how people play, fight, and lounge in the sand in numerous paintings and prints. $10,500–45,000 Untitled (Handstand) Eric Fischl Untitled (Handstand), 2017 Hexton Gallery Untitled (Digging Boy) Eric Fischl Untitled (Digging Boy), 2017 Hexton Gallery Tina Barney Towels, swimsuits, and American flags fill Barney’s candid documentary photographs of summer life in 1980s New England. Contact for Price 4th of July on Beach Tina Barney 4th of July on Beach, 1989 Paul Kasmin Gallery Mark, Amy and Tara Tina Barney Mark, Amy and Tara, 1983 Paul Kasmin Gallery   Las FERIAS y las PROPUESTAS que se vienen para este mes , en distintas de partes del PLANETA  aqui se las dejamos para tenerlas en cuenta…así que analicen y busquen sus preferidas para visitar...

ARTSY SPECIALIST JUN 5TH, 2018 4:29 PM What will be shown at Basel next week? Whether you’re headed to the fairs or browsing online, you can preview the booths on Artsy to discover and buy art for you. Here are four art fairs to start exploring now. Art Basel 2018 Basel Jun 14th – 17th

Galleries often bring their best to Art Basel, from rare classics by 20th-century icons to never-before-seen works by today’s leading artists. Vignette #12 Kerry James Marshall Vignette #12, 2008 David Zwirner Andy Warhol, artist, New York City Richard Avedon Andy Warhol, artist, New York City, 1969 Pace/MacGill Gallery Horse + Rider Incomplete Kara Walker Horse + Rider Incomplete, 2017 Sikkema Jenkins & Co.

    Design Miami/ Basel 2018

Basel Jun 12th – 17th The global forum for design


From lighting to furniture to ceramics, this premier fair brings together covetable design pieces from over 40 international galleries. V102 Eric Roinestad V102, 2018 The Future Perfect "MGM Lamp" in pink painted metal Lapo Binazzi "MGM Lamp" in pink painted metal, 1980-1989 R & Company

LISTE 2018 Basel Jun 11th – 17th For 23 years – small and subtle, fine and extraordinarily important

By showcasing young galleries, LISTE offers you the opportunity to discover emerging artists at the start of their careers. House of Cards Dickon Drury House of Cards, 2017 Koppe Astner Rose Stone Mira Dancy Rose Stone, 2018 Chapter NY Abaco Riccardo Baruzzi Abaco, 2018 Galeria Jaqueline Martins   VOLTA14 Basel Jun 11th – 16th Featuring select works from the upcoming edition

VOLTA provides an international look into the art of today, featuring 75 galleries across five continents. Freely Sheng Hung Shiu 許聖泓 Freely, 2018 Affinity ART Untitled Ilona Szalay Untitled, 2018 Arusha Gallery Mundo Alejandro Pintado Mundo, 2018 RoFa Projects Explore Basel Art Week on Artsy


JOANA VASCONCELOS . 250TH SUMMER EXHIBITION COLETIVA [GROUP] . CURADORIA DE [CURATED BY] GRAYSON PERRY RA ROYAL ACADEMY OF ARTS, LONDON, UK 12.06.2018 - 19.08.2018     IVAN GRILO . JUNHO DE 2013: 5 ANOS DEPOIS COLETIVA [GROUP] . CURADORIA DE [CURATED BY] DANIELE MACHADO E [AND] GABRIELA LÚCIO CENTRO MUNICIPAL DE ARTE HÉLIO OITICICA, RIO DE JANEIRO, BRASIL 02.06.2018 - 11.08.2018     ÚLTIMO ACTO: UTÓPICA NATURAL CON: ALBERTO BARAYA, TANIA CANDIANI Y NUEVE VOLTIOS MIÉRCOLES 30 DE MAYO - 7PM Este 30 de mayo presentamos el último de los Cuatro actos el cual está a cargo de los artistas Alberto Baraya y Tania Candiani, con la participación de Nueve Voltios, y explora la acción de nombrar como mecanismo de apropiación y colonización que ha servido para construir discursos específicos, desde los que se construyen formas de representación que visibilizan a unos y ocultan a otros. Cuatro actos es un proyecto de la artista mexicana Tania Candiani que propone usar el telón como una herramienta para develar todos los elementos que componen una puesta en escena. Presentando una obra en proceso compuesta de varias partes: la confección de los telones por un grupo de costureras trabajando en el espacio de manera abierta al público; un escenario que funciona como el contenedor para cuatro actos realizados en colaboración con artistas nacionales; la documentación de cada uno de los actos y la construcción de una instalación compuesta por los cuatro telones. La exposición se ha ido completando a lo largo de sus semanas de apertura presentando actos por Ana María Montenegro, Mario Galeano y Luisa Ungar, cuyos registros estarán dispuestos al público hasta el 2 de junio en horario de 1PM a 6PM   Hasta el 2 de junio se podrá visitar Cuatro actos, un proyecto de la artista mexicana Tania Candiani que propone usar el telón como una herramienta para develar todos los elementos que componen una puesta en escena. El proyecto se centra precisamente en la idea de revelar y ocultar que encarna el telón, y se vale de ésta para evidenciar diferentes procesos de ocultamiento histórico y político que han sido recurrentes en América Latina. Candiani presenta una obra en proceso compuesta de varias partes: la confección de los telones por un grupo de costureras trabajando en el espacio de manera abierta al público; un escenario que funciona como el contenedor para cuatro actos realizados en colaboración con artistas nacionales; la documentación de cada uno de los actos y la construcción de una instalación compuesta por los cuatro telones. La exposición se ha ido completando a lo largo de sus semanas de apertura presentando actos por Ana María Montenegro, Mario Galeano y Luisa Ungar, cuyos registros ya están dispuestos al público. El 30 de mayo será el último acto y estará a cargo de los artistas Alberto Baraya y Tania Candiani con la colaboración de Nueve Voltios. Lo invitamos a visitar este proyecto de lunes a viernes de 1PM a 6PM.

MIÉRCOLES DE MOSTAZA VOL.17 TALLER DE CÓMIC DE NO FICCIÓN INVITADO: CAMILO AGUIRRE MIÉRCOLES 23 DE MAYO - 5PM Para esta edición del Miércoles de Mostaza tenemos como invitado al artista caleño Camilo Aguirre, quien nos propone un taller de cómic de no ficción en donde se buscará encontrar formas de interpretar y narrar los acontecimientos que nos rodean, así como propiciar intercambios de historias e interpretaciones a través de la narración gráfica. Los participantes deberán traer escritas anécdotas personales que se relacionen con su posición política y su visión del mundo. Durante el taller los participantes intercambiarán las historias a modo de guiones que sus compañeros deberán ilustrar, esto para ver los aspectos interpretativos de la no ficción y la importancia del dibujo para expresar la subjetividad y condiciones de los dibujantes. Se dará una pequeña introducción a la obra del invitado, mostrando sus experiencias en libros como Ciervos de Bronce y Caminos condenados...


Y mientras esperábamos que se hicieran las 7 pm  para poder INGRESAR al VERNISSAGE en medio de un FRESQUETE de aquellos..! OBSERVANDO como los encargados de SEGURIDAD y de PRENSA ; esos personajes que se escudan en FUGACES CARGOS para cristalizar esos absurdos  MANEJOS de PODER…seleccionaban quienes podian entrar quince ,o cinco minutos antes  de la hora establecida como OPEN , en vez de ser flexibles a una INSTANCIA que siempre debería ser AMIGABLE…o todos JUNTOS en la CAMA o todo juntos en el PISO dicen por AHÌ…Encarguèn ZEN de la SEGURIDAD & de la PRENSA en serio...

Pero mientras esa DANTESCA situación OCURRÌA…Adentro esta PUESTA de muy bolo NIVEL..

Y de ahí el IMPULSO a ciertas GALERIAS del ESTABLECIMIENTOS…Ojalà podàmos apoyar a jòvenes GALERÌAS que impulsen NOVELES artistas...

El Catálogo de Nuevos Coleccionistas se lanza con ocasión de ARTBO | Fin de Semana, y recopila una cuidadosa selección de obras, cuyo valor oscila entre $500.000 y $5.000.000 COP. Con esta selección, se busca generar un acercamiento de nuevos públicos al mercado e incentivar la compra de obras de arte. La selección final se realizó entre piezas que las galerías participantes tienen en reserva o en exhibición. MARÍA TERESA CANO                                                                                                                   Habitantes como arroz, 1991. Fotografía enviada por fax. Edición de 50. 21,6 x 28 cm Lokkus Arte Contemporáneo               RODOLPHO PARIGI Bestiarios, 2014 Tinta china sobre papel 56 x 76,5 cm SKETCH (ETC) Sala De Proyectos El catálogo está compuesto por obras de gran variedad de técnicas (pintura, fotografía, grabado, escultura y video, entre otras) de artistas tanto emergentes como consolidados. En cada página podrá encontrar la ficha técnica y la información de contacto de la galería que representa al artista. No dude en contactarlos, le acompañarán en el proceso de compra.

JOSE HORACIO MARTÍNEZ Vía pacifico No. 11, 2017 Acrílico, tinta y sellos sobre lienzo 30 x 35 cm El Museo             ANA MERCEDES HOYOS Ñuro di Vitilo di Monasitá, 2014 Serigrafía. 70 x 50 Impreso por Taller Arte Dos Gráfico Galería Sextante



Las Barragán ; esas GENIAS de la MODA ;  junto con la dupla de artistas ÉRCOLE/ÁLVAREZ y sus Diosas de COLOMBIA ART harán el lanzamiento de “Arte para usar”, una colección de blusas en la cual la creatividad y el diseño se funden para crear piezas únicas. Además por la compra de cada una de estas se apoyará a la Fundación Ayuda en Acción Colombia para que niños y niñas en el Norte del Cauca tengan acceso a agua potable, educación de calidad, salud, seguridad alimentaria y que puedan conocer y reconocer sus derechos. Las camisas se pueden adquirir a partir del 13 de mayo en la tienda de las diseñadoras colombianas. Centro Comercial Santa Bárbara - Local D 318 .BOGOTA DC.COLOMBIA... Sobre Ayuda en Acción: Pero quien es la Fundación Ayuda en Acción , nace en 1981 desde los primeros proyectos en la India hasta el día de hoy, su historia ha sido la de todas las personas a las que la organización ha apoyado y también la de quienes lo han hecho posible.1981.Nace de la mano de Gonzalo Crespí de Valldaura, Conde de una ONG fundada hace más de 35 años en España. Hoy está presente en 19 países donde benefició a más 2.5 millones de personas. Llegó hace 12 años a Colombia con el objetivo de luchar contra la pobreza y la desigualdad. Desde entonces, ha trabajado en proyectos de desarrollo integral, es decir que pueden atender cualquier necesidad manifestada por la comunidad beneficiaria: construcción de acueductos, atención médica, educación y capacitación económica. Asi que aportar a ellos es APORTAR a un FUTURO que es desde ya el presente mas importante …los CHICOS alos que tenemos OBLIGACIÓN de dejarles un MUNDO MEJOR…ellos empiezan por dejarles MEJORES HOMBRES apostándoles desde pequeños…porfa NO NOS DEJE SOLOS... Más información en

Gonzalo Crespí de Valldaura, Conde de Orgaz.

London Original Print Fair 2018

London May 3rd – 6th

Art New York 2018

New York May 3rd – 6th International Contemporary + Modern Art Fair


If So, What? 2018 San Francisco Apr 26th – 29th Building a global platform of creativity

artmonte-carlo 2018 Monaco Apr 28th – 29th


Se VIENE ….Art Brussels 2018 Bruxelles Apr 19th – 22nd


MILANO DEL 13 AL 15 DE ABRIL…Arte CONTEMPORÁNEO alla ITALIANA para no perderse...

"Tensión, fuerza y equilibrio" de Lucía Morón Mosca en galería Sextante. El jueves 12 de Abril a las 6PM.

ARTBO, programa de artes de la Cámara de Comercio de Bogotá, le invita a participar de la segunda edición de ARTBO I Fin de Semana, que tendrá lugar del 18 al 20 de mayo, con una inauguración el 17 de mayo. Asimismo, le invitamos a participar del Programa de Invitados Especiales, el cual a través de una agenda de actividades que incluye espacios dedicados, desayunos, visitas comentadas, cócteles, fiestas y una plataforma web personalizada le permitirá disfrutar de una completa experiencia del arte por la ciudad de Bogotá. ARTBO I Fin de Semana es un evento para acceder a la mejor oferta artística a través de 57 espacios expositivos por tres zonas de la ciudad. Durante tres días, las galerías más destacadas y de vanguardia, los espacios independientes y autogestionados, así como los principales museos e instituciones de Bogotá, exhibirán destacadas muestras con programación especial en horarios extendidos. Este programa contará con acompañamientos mediados por un equipo de expertos; un Encuentro Editorial curado por La Silueta, en el que se presentará una selección de trabajos de artistas que han involucrado la publicación y el formato de libro en sus prácticas artísticas. También se realizará un Foro, sobre temas de arte y la escena contemporánea actual, organizado por Ana Sokoloff (Colombia/EE.UU.), asesora de arte. Por primera vez, ARTBO presentará Intervención - Un proyecto de ciudad que busca entender los nuevos medios de contribución del arte a la construcción social a través de intervenciones artísticas en el espacio público con una exposición organizada por ARTBO en el Monumento a los Héroes y piezas de arte comisionada para proyección en la Torre Colpatria.


Sin Título, 2017 Monotipo Punta Seca 24 X 18cm


SP-ARTE 2018 . STAND K5 PAVILHÃO DA BIENAL, SÃO PAULO, BRASIL 11.04.2018 - 15.04.2018

Vânia Mignone . Sem título [Untitled], 2018 . acrílica sobre mdf . 200 x 200 cm Casa Triângulo tem o prazer de anunciar sua participação na SP-Arte 2018, apresentando uma seleção excepcional de obras dos artistas da galeria.

FlucT. Image via Photo: Rita Minissi.

Artsy son mucho mas que AMIGOS de la CASA EDITORIAL CAFE LITERARIO son COLEGAS a los que nos merece el máximo de respeto y nos pone en la OBLIGACIÓN de coleborarles en su difusion…hoy nada mas ni nada menos que... The 10 Best Booths at Art Basel in Hong Kong By Alexander Forbes Mar 27, 2018 1:14 pm The sixth edition of Art Basel in Hong Kong opened on Tuesday with 248 galleries setting up shop for the week in the massive Hong Kong Convention and Exhibition Centre, which overlooks Victoria Harbour. With each passing year, as the market in Asia and the sophistication of the audiences are both on the rise, the quality of work dealers bring to this fair increases, as does the number of curated, single-artist presentations outside of the fair’s designated sections for solo booths. From the cutting edge of virtual reality to historical works that command historically high sums, here are the 10 booths not to miss.   Project Native Informant Discoveries Section, Booth 1C43 With works by Sophia Al-Maria Installation view of Project Native Informant’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel. Mirrors line the entirety of Project Native Informant’s booth, where a vanity table and chair sit against its rear wall. A film playing above the vanity features Chinese-american actress Bai Ling, while a tiny photograph, perhaps of Bai as a child, sits on the table. Titled Mirror Cookie (2018), Sophia Al-Maria’s mixed-media installation takes aim at the endemic racism, homophobia, and sexism within the film industry that has come to the forefront of popular attention in the past six months, as the #MeToo movement has radically changed the dialogue around sexual harassment and assault. Bai, who has played roles in Entourage and Wild Wild West, among other movies, suffered a series of hits to her public image in the late 2000s. Al-Maria’s film—in which Bai is dressed in a white gown, directly addressing the camera, with the image sometimes going out of focus or glitching—serves as a form of redemption for that downfall. In it, she mixes phrases of inspiration (“Do not doubt yourself”; “When you have love in your heart, nothing can go wrong”) with esoteric lines (“I am an infinity. I am you. You are I.”) and hashtags (“#power”; “#magic”; “trust”). Many of these lines, which the actress calls “cookies,” were pulled directly from Bai’s blog, which Al-Maria then asked her to deliver as if engaging in the self-help ritual called mirror work.   Sabrina Amrani Kabinett Section, Booth 3C38 With works by Chant Avedissian

Installation view of Sabrina Amrani’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel. Chant Avedissian’s figurative works are well known in the art market—his 120-part work Icons of the Nile (1991–2010) set a record for a living Arab artist at a 2013 Sotheby’s sale in Doha when it sold for $1.5 million. Relatively less known are the artist’s geometric works, which feature in this solo booth. The gallery has hung works on cardboard from 2016 and textiles from the 1980s on top of a wallpaper made from scans of the Egyptian-Armenian artist’s sketchbooks from the latter period. “He’s always been interested in the history and identity of his country and trying to rebuild that identity using symbols of ancient Egypt,” gallerist Amrani said. She described the works as “a kind of propaganda for the greater East,” meant to recall the millennia of cultural traditions present in the Middle East and Asia that often receive short shrift compared to the much more recent cultural production of the West. The artist doesn’t see this refocusing of attention on the cultural heritage of the East as a move to spread that culture through globalized systems, she said, but rather wants to highlight it as a collective good—something that, regardless of our origins, we can all share.   Sakshi Gallery Insights Section, Booth 3D28 With works by Vivek Vilasini

Installation view of Sakshi Gallery’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel. 31 pieces of transparent rice paper by Vivek Vilasini, each one slightly browner than the one before it, hang in a grid on one wall of Mumbai-based Sakshi Gallery’s otherwise bare booth. Each represents a different day in May 2017, their ever-darker colors resulting from the accumulation of pollution on the paper’s surface. The work, titled City - Fifth Investigation (2017), marks a stark departure for Vilasini, better known for tongue-in-cheek photographs, like his recreations of The Last Supper and other iconic religious artworks. “His work has always had political undertones, but this is the first time he has moved away from photography entirely,” said the gallery’s curator Sanyogita Deo. Inspired by Washington governor Jay Inslee’s statement that “we are the first generation to feel the impact of climate change, and we are the last generation that can actually do something about it,” Vilasini placed the sheets of paper on a roof in New Delhi (the world’s second most polluted city) and took one sheet inside each day. The result is poetic, wonderfully simple, and yet remarkably effective at getting across Vilasini’s message.   Lévy Gorvy Galleries Section, Booth 1C14 With works by Zao Wou-Ki, Pierre Soulages, Rudolf Stingel, Frank Stella, Carol Rama, Andy Warhol, and Yayoi Kusama, Pat Steir, Willem de Kooning

Installation view of Lévy Gorvy’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel. If you want to see what’s almost certainly the most expensive work sold at a Hong Kong fair to date, head to Lévy Gorvy’s booth, where Willem de Kooning’s Untitled XII (1975) was purchased for an asking price of $35 million less than two hours into Tuesday’s opening. The work was consigned by Microsoft co-founder Paul Allen’s collection and is from the same series of large paintings as Untitled XXV (1977), which set the artist’s auction record of $66.3 million at Christie’s in November 2016—just before Brett Gorvy departed the house to team up with Dominique Lévy. But it’s far from the only draw for the booth. The gallery’s small room of works by Pat Steir is particularly worth a look. “It’s nice to have a moment to pause like this in a fair,” said Lévy, surveying paintings from her new series, “For Hong Kong” (2017–18)—which, as the title suggests, were made specially for the fair. They continue Steir’s engagement with Sung Dynasty thought, but employ a new color palette, which Lévy said “took courage” for the artist to explore.   Mazzoleni Galleries and Kabinett Sections, Booth 3E04 With works by Giacomo Balla, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Enrico Castellani, Giorgio de Chirico, Lucio Fontana, Piero Manzoni, Fausto Melotti, Gianfranco Zappettini

Installation view of Mazzoleni’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel.

Art Basel in Hong Kong is chock full of trophies this year—many of them in the Modern section, where collectors seeking to add big names with historical weight to their holdings will have no trouble. But, just off to the left side of their main booth, Mazzoleni’s presentation for the fair’s Kabinett sector (which features solo shows and curated presentations) is more treasure than trophy. Eight works in brass, steel, and bronze from the 1960s to the ’80s by the late artist Fausto Melotti feature here, with prices ranging from $300,000 to $800,000. Melotti, who studied with Lucio Fontana in Milan, also trained as an engineer and a musician, experiences he translates into the delicate metal sculptures that jitter ever-so-slightly as passing viewers disturb the air around them. “He wanted to translate the music into a sculptural form,” said Virginie Puertolas-Syn, an art consultant working with the gallery at the Hong Kong fair.

  Société Discoveries Section, Booth 1C29 With works by Timur Si-Qin Installation view of Société’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel. Timur Si-Qin’s 12-minute VR work Campaign for a New Protocol, Part II (2018) is well worth waiting for in the inevitable line at Société’s booth in the fair’s Discoveries sector for young galleries. The installation in Hong Kong is part two of a three-part exhibition cycle. (The first part opened at the gallery in Berlin last week; the third will open at publisher Kaleidescope Media’s new space on April 18th.) It consists of three Oculus Rift headsets placed on rust-colored rock sculptures, each of which sits in front of a lightbox depicting a mountainous desert-like landscape and sporting the logo of Si-Qin’s conceptual brand, New Peace. (The full installation is available for purchase from $85,000 to $100,000, and each lightbox can also be purchased for $15,000 to $22,000.) Don the Oculus headset and you’re shot into the lightbox, suddenly sitting near a campfire. You begin to float upwards and across the landscape as a pseudo-robotic female voice narrates a manifesto of sorts, titled “A New Protocol v0.60.” “Life on this planet stands at the cusp of a great threshold,” she says. “As we awaken for the first time to the full scale of the territory of space and time—something any living thing has only known for a century—we awaken also to our own capacities for altering our planet and ourselves.” As the sun slowly rises pink over the mountains, her voice continues outlining the birth of human religion and belief, and the discontinuity between contemporary religious practice and contemporary life. She goes on to put forward a new framework (or “secular faith”) that better suits a time where dualism and doctrine have no place. The full text is well worth a read, even if you can’t make it to Hong Kong.   Carlos/Ishikawa Galleries Section, Booth 3C25 With works by Korakrit Arunanondchai

Installation view of Carlos/Ishikawa’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel.   Shells embedded in a resin-covered soil crunch underfoot when sitting down on a “stage for extinction” to watch Korakrit Arunanondchai’s latest film in an ongoing series, this one titled With history in a room filled with people with funny names 4 (with stage for extinction) (2018). As in Si-Qin’s VR work, belief is central to a film that flashes between post-apocalyptic-looking footage and newsreel-style clips of the 2017 Women’s March on Washington. A French-speaking narrator explains that belief unites the human species and constitutes “the joy of being human.” At another point, a paper mask of U.S. President Donald Trump appears between the silhouettes of two figures; the narrator says that “a decaying body can sometimes be turned into poetry.” The work is typical of Arunanondchai’s practice in the way that it integrates footage from his past films, uses a wide spectrum of cultural references in its found footage, and employs a stream-of-consciousness narration. But it also feels much darker, more somber and serious than many of his works. Art often reflects the times in which it is created. Metro Pictures Galleries Section, Booth 3D07 With works by Cindy Sherman, Robert Longo

Installation view of Metro Pictures’s booth at Art Basel in Hong Kong, 2018. © Art Basel. Courtesy of Art Basel.   Metro Pictures has mounted something of a mini-retrospective of Cindy Sherman’s work for Art Basel in Hong Kong, painting the entire booth pink and hanging photographs spanning from 1976 to this year. The earliest work, Untitled (Murder Mystery People) (1976/2000), pulls from photographs Sherman took during college, featuring 17 characters from an imagined Hollywood film. At the time they were shot, she would cut them up to create collages; she later returned to the original negatives and printed them as they were shot. Key pieces from many of Sherman’s seminal series feature here. Among them are “Film Stills” from the 1970s; “Centerfolds” and “History Portraits” from the ’80s and ’90s; “Clowns,” “Fashion,” and “Society Portraits” from the 2000s; and her most recent series of works inspired by the Golden Age of Hollywood. “She hasn’t really had a big show in Asia, so we decided to hold some things back,” said the gallery’s Tom Heman. “For many people here, this will be the most comprehensive group of works they’ve seen.”   Lehmann Maupin, Thaddaeus Ropac, and König Galerie Encounters Section, Booth 1E02 With works by Erwin Wurm Idiot II Erwin Wurm Idiot II, 2010 Lehmann Maupin Idiot III Erwin Wurm Idiot III, 2010 Lehmann Maupin


Art Basel in Hong Kong is known for the “Do Not Touch” signs hanging next to the many works in its halls that beg for a quick swipe of the finger. But in Erwin Wurm’s presentation, part of the fair’s set of large-scale installations called “Encounters” and curated by the executive director of Artspace, Sydney’s Alexie Glass-Kantor, viewers can not only touch the art—they can become the art. Wurm’s One Minute Sculptures (2000–18) were as immediate a hit in Hong Kong as they were at Lehmann Maupin last March and in the Austrian Pavilion at the Venice Biennale last May. Minutes into the opening, fairgoers were lining up to hold a Birkin bag or try to see their eye in a mirrored plinth through a hole in a pair of tennis balls.

  Taka Ishii Gallery Galleries Section, Booth 1D03 With works by Hitoshi Tsukiji, Hiroshi Hamaya, Kiyoshi Suzuki, Tokyo Rumando, Yutaka Takanashi, Daido Moriyama, Ed van der Elsken, Nobuyoshi Araki, Shomei Tomatsu, Ikkō Narahara, Ryuji Miyamoto, Eikoh Hosoe, Noguchi Rika, Wim Wenders, Yoshitomo Nara Nobuyoshi Araki, Blue Period, 2005.

Courtesy of Taka Ishii Gallery. Don’t miss this gem of a presentation, tucked around the corner of Taka Ishii’s primely located booth just inside entrance 1D. Titled “Tokyo Story,” it comprises the work of 15 photographers who have shot in the Japanese capital over the past 88 years. Hiroshi Hamaya’s photos from the 1930s begin the story with fireworks exploding over Tokyo Bay and street life in Ginza when the luxury shopping mecca of today was beginning a renaissance, following the Kantō earthquake of 1923 and the economic collapse of 1929. You can glimpse a fashion show from 1968 in Yutaka Takanashi’s Towards the City; the hiply dressed youngsters of Japan’s booming ’80s in Ed van der Elsken’s Kabuki-chi, Tokyo (1984) and Tokyo (1987); a hazy aerial view of Shinjuku during the lost decade that followed in Noguchi Rika’s 1997 Shinjuku #3 (1997); and a romantically tinged view of a couple on a street corner in Nobuyoshi Araki’s Blue Period (2005). Alexander Forbes is Artsy’s Executive Editor. Stay up to date with Artsy Editorial   Como no AGRADECER tamaño APORTE y es imposible dejar a IBEROAMÉRICA sin esta INFO-ART de ALTA ESCUELA... GRACIAS TOTALES…ARTSY...   …………………………………………………………………………………………………………………………………………  

55 años de un MAMBO para todos

NOTICIAS — 03.2018 "El Museo de Arte Moderno de Bogotá existirá aunque a estas intenciones responda la inercia más o menos tradicional del público. Pero es lógico que si logra vencer esa apatía su función se cumplirá más perfecta y cabalmente." Marta Traba, Revista Estampa. Bogotá, Colombia 1962




Nuestros COFRADES  de la prestigiosa ARTSPACE MAGAZINE nos regala esta joyita que deseamos compartir con Uds...

ART & TECH Is There Hope for Virtual Reality in Art? Why Marina Abramovic and Jeff Koons Are Not the Answer By Shannon Lee

  Later this month, fair goers attending Art Basel Hong Kong will get the opportunity to experience the debut of two new virtual reality works by famed performance artist Marina Abramovic and sculptural icon Anish Kapoor. It’s the first time either artist has explored the medium, begging lots of speculation, excitement, and of course, a tremendous amount of hype, symptomatic of any foray into VR (remember all the buzz when the New York Times debuted their virtual reality division?). Both works are part of a suite of virtual reality experiences developed in collaboration with a London-based platform called Acute Art. The platform includes VR works by other art-world giants such as Jeff Koons and Olafur Elíasson, and claims to be the “world’s first virtual reality arts platform… a museum without walls that lets you experience the cutting edge of interactive art anywhere in the world.” While that sounds great, it’s almost entirely false. Not only is it not the first, for a platform that purports that its users will be able to experience its content “all around the world,” the fact that the app is only available on the HTC Vive headset reads less as a platform of accessibility, and much more as a bizarre marketing ploy to get you to buy an underselling piece of technology by using more underselling technology (especially when compared to other virtual reality platforms such as the New York Times VR app, or the New Museum's First Look, both of which are available to download as free apps on any smartphone). At a $10 per month (or $30 per year) membership fee, users are given access to virtual reality experiences by some of art’s most prominent figures, along with a few works by up-and-coming digital artists such as Danish artist Jakob Kudsk Steensen. Given that no one in the Artspace office has an HTC set, and doesn't run on Windows (oh yeah, Acute Art only runs on Windows), we sadly did not have access to any of the actual content, despite the fact that we paid the membership fee. The previews, however, say more than enough about the work. Ranging from decent to completely inane, Acute Art’s content hardly makes the case for virtual reality as an effective medium. Let’s start with the completely inane: Marina Abramovic’s piece, Rising, is a mind blowing-ly daft example of how to take a worldwide crisis like global warming and make it entirely about yourself. Inspired in part by a video game she played in Japan where you play the role of a firefighter saving children from a burning orphanage (”I remember the indescribable joy of saving 20 babies”), Rising seems to miss the mark of being a piece about altruism and environmental stewardship by a margin that’s more or less the size of the artist’s own ego. While the work is still in its final stages of development, it’s less the experiential nature of the work that’s the issue, and more the actual premise. The virtual reality experience opens up with you in a dark room with Marina Abramovic who beckons you from within a glass tank. As you approach, you are transported to a boat at the foot of an arctic glacier, witnessing the now classic image of its melting, titanic sheets of ice cascading, and crashing dramatically into the sea. Looking around your small vessel, you are once again confronted with Abramovic in her vitrine, only this time the glass is filling with water—because like… sea levels are rising. Unless you make a “commitment to help” (the specifics of this commitment are vague, to say the least), and pledge to become more “eco-conscious,” the water within the vitrine will continue to rise, eventually resulting in the greatest tragedy that could possibly come of global warming—The Artist is Drowning! In Abramovic’s own words, “you’re saving the human being, and you’re saving the planet—OR, you’re not saving the planet, and you make the human being die. The choice is only yours.” Apart from blatantly plagiarizing Smokey the Bear (“Only you can prevent wildfires”), Rising uses “groundbreaking” technology to produce an almost laughably cliché and reductive approach to the global warming crisis.

While platforms like The New Museum and Rhizome's "FirstLook: Artists VR" offer exciting, genuine explorations of the medium, Acute Art's cadre of high profile artists promises a lot, but delivers little. READ THE FULL ARTICLE


MARZO 21 DE 2018 - 7PM

Subasta de arte contemporáneo en apoyo al Espacio Odeón



NADA New York 2018 New York Mar 8th – 11th

A 1959 Interview with Marcel Duchamp: The Fallacy of Art History and the Death of Art

Super recomendada esta ENTREVISTA que los GENIOS de ARTSPACE tiene para estos días…Un preguntas y respuestas que no perdieron ACTUALIDAD a pesar de los años...


Los COLEGAS de ART SY nos envían una reseña de lo que se viene en el ARTE CONTEMPORÁNEO para los próximos días…Pero Uds nos dirán quienes son los ART SY.. aqui van sus origenes...

¨Artsy is a free online platform designed to connect collectors to art. Artsy's search engine and database draw connections and map relationships among works of art. Led by Carter Cleveland, computer science graduate from Princeton and Sebastian Cwilich, former executive of Christie's and Haunch of Venison director,[3] Artsy aims “to make all the world’s art accessible to anyone with an internet connection. Is backed by a group of investors, including Eric Schmidt, Wendi Murdoch, Dasha Zhukova, Thrive Capital, Jack Dorsey, Bob Pittman, Rich Barton, Jim Breyer, Keith Rabois, David Tisch, Chris Dixon, Peter Thiel, Charlie Cheever, Dave Morin, and David Kidder.John Elderfield, former chief curator at New York’s Museum of Modern Art serves as Artsy’s senior advisor and Larry Gagosian and Marc Glimcher, president of Pace Gallery, are advisors. Carter Cleveland founded Artsy during his senior year at Princeton University and worked on the site from his dorm room. Cleveland’s goal for Artsy is for the site "to be the place where every single user in the world goes to discover art online." In May 2010, Artsy participated in the New York City conference, TechCrunch Disrupt, where they competed in the Startup Battlefield and received the Yahoo! Rookie Award! A year later, the team demoed Artsy at the Beyeler Foundation at Art Basel (June 15, 2011)...¨ Art fairs on Artsy VIEW ALL  

Art Wynwood Miami, Feb 15–Feb 19

  Investec Cape Town Art Fair Cape Town, Feb 16–Feb 18

Preview · ARCOmadrid Madrid, Feb 21–Feb 25

Preview · PHOTOFAIRS | San Francisco San Francisco, Feb 23–Feb 25  

Preview · 1-54 Marrakech Marrakech, Feb 24–Feb 25 Como ven hay para todos los gustos ,y como siempre decimos el ARTE NO ES NI BUENO NI MALO , solo TE GUSTA O NO..!!! Eso según el HORIZONTE…  Nuestros AMIGOS de ARTSPACE , nos informan de la nueva TENDENCIA de los artistas británicos jóvenes…aquí les dejamos inquietud y precios...

THE NEW YBAS When Damien Hirst organized an exhibition of student work from Goldsmiths College of Art in 1988, the YBA (Young British Artists) movement was born. Now there's a next generation of British artists—like Ryan Gander, Walead Beshty, and Alice Channer—who continue to push the envelop today. Read about 8 "New YBAs" and collect their work here on Artspace. BUY NOW


ANTHEA HAMILTON Thirteen Storey..., 2017 $531

DAVID SHRIGLEY Untitled, 2014 $481 LAURE PROVOST Untitled, 2017 $276 SAMARA SCOTT Backwater..., 2017 $248 MARTIN BOYCE No Brilliantly Coloured Birds, 2009 $637 WALEAD BESHTY glasshouse-jpg, 2009 $6,000 HANNAH SAWTELL #STANDARDISER_CHARM, n.d. $255 ED ATKINS Safe Conduct Epidermal..., 2016 $1,900 SCOTT KING THE TRIUMPH..., 2012 $297 THE NEW YBAS: 8 NEXT-GEN STARS OF BRITISH ART     En COLOMBIA , la MOVIDA CULTURAL ,  despega de manera muy generosa y variada en este 20-18, aqui varios de los ejemplos que nos dejan sus PROPUESTAS . algunas como las de la  gente de ESPACIO ODEON que hace cosas muy interesantes…mirelas y arme su plan….   MIÉRCOLES DE MOSTAZA - BORRÓN, TACHÓN Y DIBUJO INVITADO: CAMILO VIECO MIÉRCOLES 7 DE FEBRERO - 5:30PM En esta nueva sesión del Miércoles de Mostaza tenemos como invitado al historietista Camilo Vieco, quién nos guiará en estas dos horas para explorar el dibujo a través de las manchas, la tinta y sus cuestiones materiales, al tiempo que exploramos ciertas cuestiones ontológicas ¿Qué es un dibujo? ¿Qué diferencia un boceto de un dibujo? ¿Es un boceto un dibujo? ¿El dibujo depende de los materiales? ¿Qué lo diferencia de la pintura? Haremos dibujos con monotipos, pincel y plantillas, otras maneras de hacer y enriquecer el dibujo. Leer + Aunque esta actividad es de entrada libre y no es obligatorio traer materiales, sería ideal que para esta sesión los asistentes puedan traer pinceles, tintas u otros materiales para experimentar con el dibujo y compartir con los demás asistentes. El Miércoles de Mostaza es un espacio no especializado dedicado a la experimentación en torno al dibujo, abierto a todo tipo de público, organizado en alianza con Entreviñetas. LA NARIZ DEL DIABLO CONVERSATORIO CON EQUIPO TRANSHISTOR(IA) Y ANDRÉS BUITRAGO JUEVES 8 DE FEBRERO - 5PM A propósito de la última semana de la exposición "La Nariz del Diablo", los invitamos a una charla con Equipo TransHisTor(ia), curadores de la exposición, y Andrés Buitrago, artista participante. Se realizará una presentación del proceso de investigación y preparación del proyecto La Nariz del Diablo por parte de Equipo TransHisTor(ia), y Andrés Buitrago (Docente, investigador y artista) presentará "Un Paraíso llamado Colombia...", investigación sobre políticas y sistemas de representación de la nación a comienzos del siglo XXI. La exposición podrá ser visitada de lunes a viernes de 10AM a 5PM, y el sábado 10 de febrero de 11AM a 5PM. Artistas: Carlos Lersundy, Antonio Caro, Nadín Ospina, Fernando Arias, Carolina Caycedo, Elkin Calderón, Andrés Buitrago, Alejandro Arango, Juan David Laserna, Jeison Castillo. Curaduría: Equipo TransHisTor(ia) (Camilo Ordóñez Robayo y María sol Barón Pino) ESFERÓDROMO* UN PROYECTO DE NICOLÁS CONSUEGRA ESTRENO SÁBADO 10 DE FEBRERO - 3PM / CONVERSATORIO - 4PM PROYECCIONES CONTINUAS DEL 12 AL 17 DE FEBRERO DE 3PM A 7PM En un artículo titulado “Las Vegas de los pobres” se afirma que “con 50 pesos en el bolsillo se puede hacer dos cosas en Bogotá: comprar una menta o ser uno de los centenares de apostadores que a diario arriesgan lo poco que tienen en sitios de juego camuflados en el centro de la ciudad, donde cinco mil pesos son una fortuna”. Se trata de establecimientos de ambiente austero donde el centro de atracción son once esferas de billar-pool, que ruedan por una rampa inclinada en forma de J y desembocan en un plato cóncavo que las pone a girar hipnóticamente por unos instantes, hasta que la primera de ellas cae a un agujero de su mismo tamaño ubicado en el centro del plato. En ese momento se da por terminado el juego y esta primera bola, es el único número ganador. Este es el principio del juego del Esferódromo, en esta película del mismo nombre Nicolás Consuegra presenta una visión de este juego que empieza y termina en lo mismo. La plata que se gana se reinvierte en este arbitrio criollo, engendro de ruleta, póquer y rodadero de bolas de billar. Leer + ESTRENO: SÁBADO 10 DE FEBRERO / Proyecciones: 3PM a 4PM y 5PM a 7PM Conversatorio 4PM a 5PM / Participan: Nicolás Consuegra, Mónica Páez, Mateo Rudas, Joaquín Uribe y Lucas Ospina. PROYECCIONES: Febrero 12 al 17 de 3PM a 7PM * Realizado con el apoyo del Ministerio de Cultura de Colombia. Proyecto ganador de la Beca de creación para artistas con trayectoria, 2015. // Un agradecimiento especial a Ukelele - Fábrica de Fiestas.

ESPACIO ODEÓN - Carrera 5 #12C - 73 / Bogotá - Colombia HORARIOS: LUNES A VIERNES DE 10A.M. A 5P.M. // Contacto:  WWW.ESPACIOODEÓN.COM

Y sin OLVIDARNOS de la gente de FUNDACION T de TEATRO quienes no se quedan atras y arman su PROGRAMACION con muchas y variadas propuestas dignas de ser vistas... Para muestra basta un CLIP ON...

Para mucha GENTE , creen que al poner una obra ARTÍSTICA en la VIA PÚBLICA es una decisión MENOR , es como si la GALLERY STREET no fuése importante.  ,pero desde aquí <pensamos DISTINTO , DIFERENTE  y nada mejor que VER para CREER…

Pensamos que es un A-R-T-E con todas las letras y que amerita un TRATO de TAL  a quienes de alguna manera nos regalan estas VERDADERAS JOYAS ,que engalanan las CIUDADES ….

ESTEBAN SANCHEZ sigue dándonos prueba de su inmenso TALENTO  y en la MISA DE GALLO en la IGLESIA de SAN MIGUEL de COLONIA , ALEMANIA en la HELADA NAVIDAD teutona otra vez aportará su toque de CALIDEZ colombiana , para engalanar una velada ESPECIAL ...

Sin duda podemos decir que le APOYAMOS desde que lo descubrimos…HOY esperando una vez mas que las puertas del CIELO se le abran…será que tiene un paso previo por el VATICANO...

Cuando el pasado 8 y 10  de DICIEMBRE en BONN se realizaron los conciertos con los audiovisuales  de ESTEBAN SANCHEZ ese MAESTRO de las ARTES PLÁSTICAS de COLOMBIA , triunfando en tierras teutonas , seguramente parte de sus compatriotas se habrán sentirán ORGULLOSOS...

El mismo que el EDIFICIO HORIZONTE  ; en BOGOTA DC ; tiene , por tener esa MUESTRA de quien generosamente las aportó para que su TALENTO sea escrudiniado con la exigencia a que es sometido una obra en un FACE 2 FACE entre cada unos de los VISITANTES  que por allí pasan...

Pasen y vean...



Esto nos dejó ARTBO 20-17  una  EXPERIENCIA maravillosa que nos impulsó a este racconto a nuestro ESTILO…Esto es SIN PELOS en la LENGUA…

Mientras recorríamos  la muestra , la VIDA nos junta con nuestro NUEVO MEJOR AMIGO el ARTISTA DANILO ROJAS quien estaba acompañado con una colega CAROLINA GUTIERREZ con ella empezamos esta nueva FORMA de contar el ARTE por ARTISTAS...

Asi nos dice ella  , la BELLA GUTIERREZ que fué  y que la movió e impactó a lo largo de tantas PROPUESTAS...

Que tal lo DULCE de su elección y lo honesto de su CONFESIÓN…Pero de esto que nos conmueve ;  aquello que  muchos seres humanos les resulta difícil de manifestar ; que es RECONOCER eso que nos impacta y ayuda a SER HUMANOS sensibles y conmovibles…

Y ARTURO GARNERO que hace..? Nos lo cuenta su GALERISTA...

Pero Ud dirá y quien es CARO…? Pues a nosotros que estamos muy acostumbrados a ver tanto MODEEEEEERNOOOO en estos lugares , a veces con excesiva PRODUCCIÓN que escapa a la realidad de CADA UNO…Ella no pareció NATURAL y TRANSPARENTE…investíguela seguramente le hará VIBRAR como a nosotros…aquí van sus coordenadas...

Carolina nació en 1974 en Bogotá, Colombia. Estudió Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes donde más tarde recibió su título profesional en Arquitectura. Su trabajo ha sido expuesto en varias exhibiciones colectivas en Bogotá, Miami y Tokyo. En 2014 asistió al taller de la artista Alyssa Monks, Creating, Translating and Surpassing the Photo-Reference en The New York Academy of Art, en Nueva York. También asistió al taller de óleo de Casey Baugh en Chicago, el pasado mes de Agosto.

"Mi trabajo siempre ha estado relacionado con mi propia vida. Mi pintura parte de la observación íntima de la piel humana, ese lugar donde la historia personal queda impresa y narrada en cada mancha, en cada pliegue, en cada arruga. Somos lo que se ve en nuestra piel. Eso nos hace susceptibles de ser leídos; nos hace, por lo tanto, vulnerables. Mi pintura quiere explorar esa vulnerabilidad, ese riesgo que corremos ante la mirada del otro. Quiere, también, crear historias no totalmente contadas, capturar la experiencia pasada y los anhelos futuros (que siempre están implícitos en la imagen) en el carácter físico y carnal del momento presente."

Para mas INFO búsquela aqui…

Seguimos el VIAJE como si fuése nuestra ROUTE 66 de costa a costa de la FERIA con nuestro  NUEVO MEJOR AMIGO  , quien se define asi:

¨Observo un mundo con sed de vida, sed de amor … sed de eternidad... Desde mi trabajo exploro la experiencia natural, emocional y espiritual del arte. Mi instrumento es la pintura. Creo en el gran poder que ésta tiene para activar la memoria del alma, para llegar al corazón, para acercarnos a lo innombrable y, en esencia, en su capacidad para hacer revivir nuestro estado natural de resplandor interior. Es pintura que nace desde la meditación y la respiración; su hogar es el silencio. Y es, desde ese estado poético, que mi trabajo explora los elementos esenciales de la naturaleza, así como sus fuerzas y, en particular, aquella centrífuga de la que nace, brota, germina vida. Un puntito aparece dentro de mis obras. Su presencia nos recuerda que somos uno, evocándonos lo inmenso que es este sistema de vida del que somos parte y lo pequeños que somos cuando lo olvidamos.   Delante de cada pintura está sembrada la posibilidad de que germine aquello que nos hace RECORDAR LO ESENCIAL … lo que somos realmente.   Entiendo que debo dar aquello que más necesito ¨ Un MAN brutalmente honesto , a quien nos unió esa energía indispensable que se precisa para recorrer cada una de las GALERIAS con la mas variadas ofertas en un ARTE CONTEMPORÁNEO que llegó para quedarse ... Esta es su elección...

Fresco , transgresor de neuronas y sensaciones , un PERSONAJE que agrada o NO ; intuimos sus pocos términos medios…en fin como es el ARTE ,ni bueno ni malo…te GUSTA o NO..! Melanie Smith , es una artista inglesa radicada la en Ciudad de México. Su trabajo ha sido caracterizado por relecturas de las categorías formales y estéticas del movimiento avant-garde y post avant-garde, problematizado en los sitios y dentro de los horizontes de heterotopias. Su producción es íntimamente relacionada a una visión expandida de la idea de modernidad, manteniendo una relación con lo qué esto significa en Latinoamérica, particularmente en México, y con la implicación que esto tiene para sus exploraciones formales como momento crítico en el estructura estético-política de modernidad y modernidad tardía…de quien sus GALERISTAS MEXICANOS nos dicen esto :


NILS STAERK ; ese gran galerista de COPENHAGEN quien nos trajo esta joya del arte ; de un GUATEMALTECO que vive y trabaja desde hace años en la ciudad de GUATEMALA  , el MAESTRO  DARIO ESCOBAR in titulada OBSERVE & REVERSE XXXI .20-17 en cuero ,nailon ,poliestireno y acero…una bella escultura instalacion que movió nuestros cimientos…130x190x110 cm,


Tetralineados Fluo Vert, 2016 Acrylic, Nylon, Motors, Computer, Electronic Interface 7 9/10 × 7 9/10 × 98 2/5 in (20 × 20 × 250 cm)




Circuconcentricos Orange 60, 2016 Acrylic, nylon, motors, computer, electronic interface 23 3/5 in diameter (60 cm diameter)

Preview de ARTBO Feria en Artsy ya está disponible!

A partir de hoy coleccione obras de ARTBO Feria en Antes de ir a la feria, descargue la aplicación de Artsy para iPhone y iPad para explorar artistas, exhibiciones y obras en cualquier momento. ¡Lo esperamos en la feria! Equipo ARTBO Artsy es un recurso líder para aprender sobre arte y coleccionar obras de más de 4.000 destacadas galerías, 700 museos e instituciones, 60 ferias de arte internacionales y subastas selectas. Artsy brinda acceso gratuito a través de su sitio web y de la aplicación para iPhone a 500.000 imágenes de arte y arquitectura de 50.000 artistas, que incluye la base de datos de arte contemporáneo en línea más grande del mundo.  

Andrea HERRERA  siempre recomienda cositas bonitas dentro del mundo CULTURAL...

Acerca de la curaduría

Blanco Conejo está integrado por 11 artistas provenientes de diferentes disciplinas y técnicas. El colectivo busca reflexionar acerca de temas ligados al proceder artístico y su relación con los fenómenos actuales de la sociedad. El nombre es resultado de un juego de palabras y nuevas lecturas a partir del personaje de Alicia en el país de las maravillas. Texto: Luisa Roa. Museografía: Eliana Baquero. Artistas participantes Alfredo Gil, Andrés Sotelo, Carolina Camelo, Daniel Martínez, Gabriel Márquez, Jeisson Otálora, John Melo, Joyce Rivas, Juan Carlos Baena, Lineyl Ibánez y Pilar Buitrago. Artista invitado: Jaime Pérez.   11:11 ¿Quién anda allí?, John Melo, 2017. Video. Club de lectura Poesía indígena de América, un libro de Guillermo Alberto Arévalo Club de poesía 4 de Octubre de 2017. 5:30 pm - 7:30 pm BOGOTÁ, Biblioteca Luis Ángel Arango, Sala de formación de públicos     Paul Auster abrirá el Salón Literario de la FIL Guadalajara

Tomado de Libros y Letras

El autor estadounidense también recibirá la Medalla Carlos Fuentes de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara y presentará 4 3 2 1, su novela más reciente. Su visita es resultado de la colaboración entre Grupo Planeta y la FIL.Considerado uno de los escritores más brillantes de la actualidad, Paul Auster participará por primera vez en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, a donde acudirá para abrir el Salón Literario y presentar su más reciente novela: 4 3 2 1. La visita de Auster, quien además recibirá la Medalla Carlos Fuentes de la FIL, es resultado de la colaboración con Grupo Planeta. En 4 3 2 1 (Seix Barral, 2017), Paul Auster vuelve a la narrativa después de siete años de silencio literario. Sobre esta nueva novela planea todo el tiempo la pregunta: “¿Recuerdas el día en que cambió tu vida?”, y es que quizá no haya otra obra de Auster que condense con mayor acierto las obsesiones de su universo creativo. El diario The Guardian ha dicho de 4 3 2 1: “Auster se centra no sólo en lo inesperado, sino en ese ‘¿qué hubiera pasado si…?’ que nos obsesiona; en todas las vidas imaginarias que alimentamos, y que corren paralelas a nuestra existencia actual”. En la obra del premio Príncipe de Asturias de las Letras (2006) resalta el peso y la importancia de lo imprevisible: el accidente feliz o el quiebre oscuro, un tema que lo persigue desde que tenía catorce años, cuando él y un grupo de niños atrapados por una tormenta eléctrica, durante un campamento de verano en el bosque, intentaban cruzar una cerca para entrar a un campo abierto; de pronto, el niño que lo antecedía en la fila india, a unos centímetros de distancia, fue alcanzado por un rayo y murió al instante: “Esta es la historia más crucial que he experimentado. Es algo que me ha acechado a lo largo de los años y con lo que he vivido desde entonces. Fue, sin duda, el día más importante de mi vida”, ha dicho el autor sobre este episodio. Reconocido como un renovador literario por unir lo mejor de las tradiciones norteamericana y europea, innovar el relato cinematográfico e incorporar a la literatura algunas de sus aportaciones, el trabajo de Auster ha sido galardonado con los premios Médicispor la novela Leviatán; el Independent Spirit Award, por el guión de Smoke; el Premio al mejor libro del año del Gremio de Libreros de Madrid, por El libro de las ilusiones; el Premio Qué Leer, por La noche del oráculo, y el Premio Leteo. Es miembro de la American Academy of Arts and Letters y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras Francesas. La apertura del Salón Literario de la FIL Guadalajara será el domingo 26 de noviembre a las 12:30 horas, y la presentación de su libro 4 3 2 1 el lunes 27 de noviembre, a las 18:30 horas. Ambas actividades se realizarán en el Auditorio Juan Rulfo, y estarán abiertas al público. CONTINUARA...    
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